M COMME MARAIS – Guyane.

Eaux noires. Stéphanie Régnier, France, 2018, 54 minutes.

Un film de rencontres. Rencontre avec un pays, la Guyane française, ou plutôt un espace, avec ses paysages, ses eaux, sa végétation surtout aquatique, et ses animaux, beaucoup d’oiseaux et pour l’élevage, des zébus.

Rencontre avec quelques-uns des habitants du lieux, des éleveurs ou des pécheurs, des femmes âgées aussi, qui évoquent leurs ancêtres et le temps de l’esclavage, cette époque de misère qu’elle n’ont pas connu directement mais dont on leur a tant parlé. La cinéaste les sollicite. Elles ont bien quelques chansons anciennes à nous présenter. Et des légendes aussi. L’histoire de la Maman de l’eau, ou celles des esprits, la Bête à feu ou le Maître de la forêt.

Le film n’a pas d’autre visée que de nous faire partager ces moments de vie. Pas d’explications, pas de commentaires bien sûr, les paroles recueillies se suffisent à elles-mêmes. Il n’y a rien de touristique dans ces images de paysage, des images toujours très belles comme celles de l’incipit où la caméra flotte au-dessus de l’eau du marais. Et si quelques plans – des gros plans d’oiseaux en particulier – ont un petit air de film animalier, ce n’est bien sûr qu’une illusion, vite dissipée. Car le film de Stéphanie Régnier correspond parfaitement à ce que l’on entend généralement par documentaire de création, le point de vue personnel d’une autrice qui sait, par la magie de ses images, créer un monde unique avec son atmosphère si particulière.

Une atmosphère où la bande son tient une place irremplaçable. Un travail d’enregistrement des sons du marais, du bourdonnement des insectes au chant des oiseaux, d’une précision extrême, mais d’un rendu d’une évidence toute simple, sans jamais être redondante avec les images.

Si les eaux du marais sont noires, c’est que le ciel est souvent chargé de lourds nuages qui assombrissent l’horizon. Vivre ici, entre ce ciel et ces eaux, c’est être pratiquement en dehors du monde. En dehors du temps aussi. Une vie où chaque spectateur pourra ressentir les émotions qui correspondent le mieux à sa personnalité, la nostalgie quelque peu, l’espoir pourquoi pas, la sérénité certainement.

M COMME MONTAND Yves.

La solitude du chanteur de fond. Chris Marker, 1974, 60 minutes.

Ce film n’est pas la captation d’un tour de champ ou d’un spectacle du chanteur, même s’il nous offre quelques extraits du « one man show » que Montand a donné à Paris en 1974 en soutien aux Chiliens victimes de la répression féroce à la suite du coup d’État militaire de Pinochet en 1973. Un engagement du chanteur. Et bien sûr un engagement aussi du cinéaste.

Ce film n’est pas non plus un biopic (le concept existait-il à la date de réalisation du film), même si par moment, Montand parle de lui, de sa carrière – assez peu en fait – et surtout de ses engagements politiques.

Ce film serait-il donc simplement un portrait. Portrait ? Evidemment, mais pas si simple. S’il est centré sur la personne de Montand, c’est surtout son travail qu’il nous montre, la précision et les contraintes des répétitions et de la mise en place du spectacle. Un portrait comme en fin de compte il est rare d’en voir, tant le montage réussit à nous faire pénétrer, non seulement dans la personnalité d’un chanteur, mais surtout dans la beauté des chansons, comme dans les plans où Montand est filmé de profil, seule tâche de lumière dans le noir, lorsqu’il interprète Le Chant des partisans ou Le Temps des cerises. De tels cadrages réussissent à nous faire partager le plaisir que peuvent ressentir les spectateurs présents dans la salle.

Un film donc qui a tout pour devenir un classique – pour ne pas dire un modèle, ce qui serait peut-être en porte à faux avec la légendaire modestie du cinéaste – du film musical. Un film où la musique n’est pas simple divertissement (même si la dimension poétique des chansons est ici évidente), mais raisonne en parfait accord avec des prises de positions politiques. La chanson – et le cinéma bien sûr – comme dénonciation de la dictature et soutien à ceux qui en sont victimes. Une posture qui reste – hélas – d’actualité.

M COMME MIGRANT – Portrait.

Traverser. Joël Richmond Mathieu Akafou, – France, Burkina Faso, Belgium, 2020 77 minutes

Partir. Traverser la mer. Traverser des frontières. Traverser des pays. Partir toujours. Traverser d’autres frontières, d’autres pays. Traverser les montagnes. Traverser la vie.

Traverser les épreuves. Traverser les souffrances. Traverser les difficultés. Traverser les apparences aussi, ce monde où le bonheur fuit sans cesse devant soi.

Ne faire que passer. Pour aller ailleurs. Pour aller plus loin. Là-bas, où la vie sera meilleure.

Le film de Mathieu Akafou fait le portrait de Junior, migrant qui ne vient pas d’un pays en guerre, l’Afghanistan ou la Syrie. Migrant parmi tant d’autres qui quittent l’Afrique avec le rêve de l’Europe en tête, simplement l’espoir d’une autre vie.

Junior a quitté sa mère, ses amis, sa famille en Côte d’Ivoire. Il a traversé la Méditerranée. Il a connu la prison en Lybie. Nous le retrouvons en Italie où il a une place d’hébergement dans un camp organisé par une association. Mais il ne peut pas rester. Il veut aller en France. Il doit aller en France. Le film se terminera à son arrivée à paris où il n’a pas d’hébergement. Il appelle au secours. Devra-t-il dormir dans la rue.

Junior est un garçon sensible. Très sensible. Nous le voyons souvent pleurer. Lors de l’enterrement qui ouvre le film en Afrique. Lorsqu’il parle avec sa mère une fois arrivé en Europe. Et puis il a des relations compliquées avec ses petites amies. Amanita, Michelle, Brigitte, son amie « blanche » comme il dit. Il passe de l’une à l’autre. Il est sans doute sincère lorsqu’il dit à Michele qu’il l’aime. Mais cela ne suffit pas. Il ne fait pas ce qu’il faut pour ne pas être abandonné.

Traverser est un film sur l’émigration africaine, réalisé par un cinéaste africain. L’émigration vue de l’intérieur. Il met plus l’accent sur le vécu intérieur que sur les conditions matérielles du voyage. Un voyage solitaire où le seul lien avec le monde est le téléphone portable. Qui permet de parler avec sa mère. La personne qui compte le plus pour lui, vers laquelle il se tourne sans cesse. Pour trouver auprès d’elle, le point d’appui qui lui manque si souvent.

Après Vivre riche, Traverser est le deuxième film réalisé par Mathieu Akafou où apparaît Touré Inza Junior. Il faisait alors parti d’un groupe de jeunes qui montaient des coups plutôt louches pour extorquer des européens. Des européennes plutôt d’ailleurs. Des situations souvent sans issue, qui ne pouvaient que laisser Junior insatisfait. Il n’est pas étonnant qu’il ne penser qu’à partir. La France lui apportera-t-elle le salut ?

Visions du réel 2020.

En 2017, Vivre Riche avait obtenu le Prix du meilleur moyen métrage à Visions du réel.

M COMME MUSIQUE – Country Teasers

THIS FILM SHOULD NOT EXIST. Gisella Albertini – Massimo Scocca – Nicolas Drolc, 1995-2020, 95 minutes.

Ce film ne devrait pas exister…Il va vous en mettre plein les oreilles. Et plein la tête. Réveiller des souvenirs. Est-ce supportable ?

Ce film ne devrait pas exister…Il va secouer, bousculer toutes vos habitudes musicales. Si vous n’écoutez que du violon, même pas électrifié, il n’est pas fait pour vous. Et si vous adorez les chansonnettes dans lesquelles l’amour rime toujours avec toujours, alors là, fuyez !

Ce film ne devrait pas exister…Parce que plus personne ne connait les Country Teasers. Plus personne n’écoute leur musique. Leurs disques existent-ils encore, s’ils en ont fait. Et d’ailleurs où pourrait-on bien avoir l’occasion de l’écouter ? Dans un film ?

Ce film ne devrait pas exister…Oui, pourquoi faire l’histoire de ce groupe, de cette époque, de cette folie ? Pourquoi risquer plonger ceux qui l’ont vécue dans un abime de nostalgie qui, à coup sûr, finira par les submerger.

Ce film ne devrait pas exister…Parce qu’il n’est plus possible de partir en tournée comme ça se faisait à l’époque, partir sur une route qui ne peut mener qu’au plus profond du néant. Et les Oblivians, pourquoi ne sont-ils pas restés à Memphis, Tennessee ?

Ce film ne devrait pas exister…parce qu’il va corrompre notre belle jeunesse, faire rêver les ados d’aventure, de liberté, d’amitié, de plaisir.

Ce film ne devrait pas exister…Parce qu’il veut nous faire croire qu’il existe encore à notre époque des génies méconnus. Il existe des génies méconnus. Au moins un !

Ce film ne devrait pas exister…Un portrait de plus ! Un héros en costard-cravate, lunettes et petit chapeau. Qui va-t-il  pouvoir séduire ?

Ce film ne devrait pas exister…Ces concerts déjantés dans des caves profondément enterrées peut-on en sortir indemne ?

Ce film ne devrait pas exister…De quel droit faire revivre ces images délirantes réalisées en 1995 ?

Ce film ne devrait pas exister…Parce que nous sommes en 2020 et non plus en 1995. Mais Ben Wallers existe toujours. Il est toujours là. Il chante toujours. Plus vivant que jamais. Plus que jamais lui-même. Unique.

M COMME MISOGYNIE.

           Maso et Miso vont en bateau, Carole Roussopoulos, Delphine Seyrig, Iona Wieder et Nadja Ringart, 1976, 55 minutes.

Soit une émission de Bernard Pivot sur Antenne 2 en 1975, Apostrophe. Une émission comme les autres, sur laquelle nous pourrions porter aujourd’hui un regard nostalgique, un peu attendri, vis à vis de l’aisance du présentateur et de la sympathie qui émane de son sourire. Mais ce n’est de cela qu’il s’agit. Car son titre, à lui seul, est tout un programme : Encore un jour et l’Année de la femme, ouf ! C’est fini, qui ne pouvait qu’alerter les féministes de l’époque. Les Insoumuses », les autrices du film, Carole Roussopoulos, Delphine Seyrig, Iona Wieder et Nadja Ringart, vont réagir à leur façon. Par un film impertinent, drôle mais caustique, qui va détourner l’émission, en proposer une critique pas à pas, une critique faite avec les moyens du cinéma, les moyens de l’époque, c’est-à-dire sans gros moyens techniques mais avec une précision méticuleuse, qui ne laisse rien passer. Et côté stéréotypes sexistes et pouvoir masculin triomphaliste, elles ont de quoi faire.

Mais Pivot s’en sort lui particulièrement bien. De toute façon ce n’est pas lui qui est la cible directe du procès intenté à une misogynie galopante qui ne cherche même plus à se cacher ou à se trouver des excuses. La cible, déclarée dès le début du film, c’est l’invitée de Pivot : Françoise Giroud présente en tant que secrétaire d’Etat à la condition féminine. L’objectif est clair : démontrer qu’un tel poste est parfaitement inutile, qu’il ne sert strictement à rien (en dehors d’être un alibi et donner bonne conscience aux gouvernants). Et que celle qui l’occupe n’est en aucune façon au service de la cause des femmes. Sur le plateau de Pivot elle restera toujours souriante, ne prenant aucun risque. Il lui faut, dans la perception qu’elle a de son rôle, veiller à surtout ne heurter personne. Elle en restera donc aux formules convenues, aux généralités qui ne mangent pas de pain. Et pourtant, en tant que femme, elle aurait bien des raisons à être sinon scandalisée, du moins quelque peu choquée par les propos qu’elle entend.

Pivot en effet, en bon professionnel de télévision, c’est-à-dire en homme de spectacle, avait convoqué un plateau qui aurait pu devenir pour le moins électrique, surtout s’il avait invité les « Insoumuses » ou  autres représentantes des mouvements féministes  particulièrement actives depuis au moins mai 68 et les luttes pour la libéralisation de l’avortement. Mais Madame le ministre, comme dit Pivot (les Insoumuses insistent elles sur son titre de Secrétaire) n’est pas là pour polémiquer. Et les misogynes de service pourront se sentir conforter dans leurs convictions.

De qui s’agit-il ? Un choix assez diversifiés et représentatif des « personnalités publiques » habituées des plateaux télévisés, à savoir : José Arthur, journaliste radio; Marcel Julian, PDG d’Antenne 2; Pierre Belemarre, journaliste ;  Jacques Martin, animateur télé; Marc Féraud, couturier; Marc Linski, navigateur ; Alexandre Sanguinetti, président de la chambre des députés ; ou encore Christian Guy, chroniqueur gastronomique. Et l’on a très vite l’impression qu’ils se livrent à une sorte de compétition pour être celui qui se montrera le plus hautin et méprisant vis-à-vis des femmes, voire carrément insultant. Mais ce n’est pas Madame le ministre qui va se sentir offusquée. Elle ne prendra pas la défense des accusées. Visiblement, elle n’est pas concernée, laissant clairement entendre que la misogynie est quelque chose de naturel et que, de toute façon, les femmes aiment ça !

Alors ce sont les Insoumuses qui vont passer à l’attaque. Elles ne perdront pas de temps à relever les énormités assénées avec le sourire par les misogynes de service. Mais elles vont ponctuer les réponses (les absences de réponses en fait) de Françoise Giroud, de cartons moqueurs et perfides, reprenant les slogans des manifestations de rue des féministes (exemple : « Menu ONU, 1974 Faim, 1975 Femme, 1976 Fromage ou dessert ») ; et tout cela dans la joie, le rire et les chansons. Bref leur film contient tous les ingrédients du cinéma d’intervention mis en œuvre au centre audiovisuel Simone de Beauvoir, créé par Carole Roussopoulos et Delphine Seyrig. Un cinéma qui utilise systématiquement la vidéo et qui renonce à courtiser les médias traditionnels et en particulier la télévision.

La dernier carton du film explicitera le sens de son titre et peut être considéré comme une synthèse de la perspective engagée du film :  » Aucune femme ministre ne peut représenter les autres femmes au sein d’un gouvernement patriarcal. Elles ne peuvent qu’INCARNER LA CONDITION FEMININE oscillant entre le désir de plaire (féminisation : Maso) et le désir d’accéder au pouvoir (masculinisation : Miso) ».

A lire : l’abécédaire de Carole Roussopoulos

M COMME MURS

D’un mur l’autre. De Berlin à Ceuta , Patric Jean, France, 2008, 90 minutes.

         De Berlin à Ceuta, un voyage entre deux murs. L’un a été abattu. Il n’en reste qu’une ligne sur le sol et quelques pans offerts aux photos des touristes. La honte qu’il représentait s’est déplacée, vers le sud. A Ceuta, aux confins de l’Espagne, à la limite de l’Afrique. Une haute barrière de barbelés essaie d’empêcher les candidats à l’immigration de pénétrer dans ce nord qui représente pour eux le seul espoir d’une vie meilleure, et même le seul espoir d’une vie tout court. Franchir le mur symbolise la difficulté actuelle de l’immigration.

         Des immigrés, il en existe pourtant partout en Europe, et Patric Jean va effectivement les rencontrer dans tous les pays qu’il va traverser dans cette descente vers le sud. Des immigrés, qui n’ont pas toujours été refoulés, qu’on est même allé chercher lorsque l’industrie ou les mines avaient besoin d’une main d’œuvre bon marché et prête à travailler dans n’importe quelle condition. Cette immigration là, qu’est-elle devenue. Ces Polonais ou autres Bulgares venus après guerre, comment ont-ils été reçus en Europe et quelle est leur situation sociale aujourd’hui ?

         Le film n’est pas un itinéraire de découverte. C’est une sorte de road movie où chaque étape est une rencontre, des immigrés de différents âges, originaires de pays différents, plus ou moins intégrés dans la société. Jean filme le voyage, le défilement du paysage depuis sa voiture sur l’autoroute. Il décrit en voix off les images qu’il nous montre, un commentaire souvent redondant avec les images, qui présente les personnes rencontrées. Une façon originale de construire un commentaire qui souligne le caractère personnel du film, qui dit ce que nous voyons à l’écran, ce que le cinéaste veut que nous voyons. Les images de la télévision par exemple, toujours présente dans les appartements, mais aussi dans les cafés ou dans d’autres lieux publics où des retransmissions d’événements sportifs sont organisés sur grand écran. La plupart sont des matchs de foot, une compétition internationale qu’on devine être la coupe du monde. Au moment des hymnes nationaux, la caméra cadre en gros plan le visage des joueurs de l’équipe de France. Le cinéaste qui inclut les images de la télé dans son film souligne ce qu’il voit : le premier joueur est noir, le second aussi, et le troisième, le quatrième… Jean ne dit pas qu’il s’agit d’immigrés. D’ailleurs il n’a pas la prétention, ni la possibilité, de les rencontrer.

         La succession des rencontres dans le film montre surtout la diversité des immigrations existant en Europe. Quel point commun peut-il y avoir par exemple entre ce candidat, aveugle et originaire d’Algérie, aux élections législatives et travaillant à la mairie de Paris et cette jeune Rom vivant avec toute sa famille dans une caravane abandonnée sous un pont où passent sans cesse des rames de RER ? Si la présence d’un vendeur de souvenir pakistanais dans les rues de Berlin ne surprend pas vraiment, le numéro d’un humoriste congolais sur la scène d’un théâtre de Bruxelles est plus surprenant. D’autant plus que son succès auprès du public belge est important, alors même qu’il  dénonce en s’en moquant l’attitude polie, mais au fond plutôt méprisante, des blancs vis à vis des noirs. Le film montre comment l’Europe est devenue ce qu’elle est, interculturelle.

Le mineur sicilien venu en Belgique faire tourner l’industrie minière ou la bonne colombienne qui garde à domicile l’enfant d’une mère qui travaille dans le sud de l’Espagne, tous garde cette nostalgie fondamentale du pays natal. Même s’ils parlent la langue de leur nouveau pays, même s’ils peuvent paraître bien intégrés, ils se sentent quand même déracinés. Et s’ils ont connus une vie meilleure au niveau matériel, l’ensemble de leurs discours montre au fond que les autochtones des différents pays d’accueil restent pour eux des étrangers.

M COMME MARGINAUX

Sous le niveau de la mer, Gianfranco Rosi, Italie, 2008, 119 minutes.

         Le lieu où est tourné ce film a-t-il pour nom « nulle part » ? La formule est facile, trop facile. Ce lieu existe bel et bien, un désert quelque part en Amérique du côté de la Californie. Un désert dont la caractéristique est de culminer à 35 mètres au-dessous du niveau de la mer. Un désert qui devrait donc être recouvert par les eaux et dont l’existence est en soi un paradoxe. Paradoxe renforcé par le fait que ce désert sans nom dans le film est un désert habité. Se retrouve là en effet, de façon non concertée, toute une foule de marginaux, de solitaires, ayant fui la société ou en ayant été chassé, et qui vivent  là, dans des conditions matérielles souvent problématiques, sans eau et sans électricité, qui sous une tente, qui dans un bus aménagé ou dans n’importe quel autre véhicule pouvant contenir de quoi dormir. De toute façon, si le vent ne soulève pas trop le sable, ils vivent aussi dehors, dans de petits campements improvisés.

         De toute façon, aucun de ces « SDF » ne cherche le confort. Avoir de quoi se déplacer et pouvoir joindre par téléphone un proche, un membre de la famille à qui laisser un message puisqu’il ne répond pas, est largement suffisant. S’il n’y a pas de point d’eau, l’approvisionnement est quand même assuré par les services de … qui possède une citerne. A part cette donnée matérielle, le film ne s’arrête guerre sur la façon dont ils se nourrissent. Leur présence dans ce désert dit assez en elle-même leur détachement de la dimension matérialiste de la vie.

         Entrant peu à peu, par petite touche successives, dans leur intimité, le cinéaste rassemble les pièces éparses qui pourraient expliquer comment et pourquoi ils sont arrivés là. L’explication peut être simple : en ville dormir dans un parc est illégal. Ici au moins, aucun policier ne viendra vous embêter. Ce type de revendication, quelque peu anarchisante n’est pourtant pas le leitmotiv de discours tenus à la caméra. Ceux qui vivent là ne forment pas une communauté. Ils vivent les uns à côté des autres et peuvent très bien s’ignorer. Ils ne partagent pas forcément les mêmes idées. Chaque parcours de vie est original, et la dimension chorale du film nous laisse la tâche d’essayer de reconstituer le puzzle même si, le plus souvent, il manque toujours une ou deux pièces. Au fond, leur seul point commun, c’est d’être là, dans ce lieu improbable et d’avoir quitté, provisoirement ou définitivement la vie « civilisée ». Définitivement ? La plupart ne se posent pas la question. Le film se contente de montrer ce qu’ils sont maintenant. Et c’est déjà beaucoup.

         Les portraits que dessine le film constituent une galerie d’individualités originales, toujours surprenantes, dès que l’on va, comme le fait Rosi, un peu plus loin que la première apparence. A côté du porteur d’eau, il y a la coiffeuse qui essaie de redonner une beauté à des visages vieillis ;  il y a la docteure qui soigne aussi les chiens. Ceux qui n’ont pas de fonction plus ou moins professionnelle ont quand même leur surnom qui souligne leur spécificité. Le degré d’empathie du cinéaste avec ceux qu’il filme que le spectateur ne peut que trouver un côté attachant à chacun. Malgré cela, le film ne nous présente pas un mode de vie idyllique. Visiblement la solitude pèse à certains. Et la dernière partie du film est entièrement consacrée à la tentative de rencontre entre deux d’entre eux. Peuvent-ils vivre ensemble ? Former un couple ? Elle lui reproche le désordre et la saleté de son bus. Et s’il décide de raser sa barbe hirsute, cela ne sera peut-être pas suffisant pour la convaincre.

         Sous le niveau de la mer est un bon exemple de l’évolution actuelle du cinéma direct. S’immergeant dans une réalité peu commune, il ne se contente pas de la faire découvrir à la manière d’un reportage. Il en explore les différentes facettes et nous en montre, au final,  la dimension universelle.

A lire aussi de Gianfranco Rosi : Fuocoammare

M COMME MOZAMBIQUE

Terra Pesada, Leslie Bornstein, Etat-Unis, 2019, 123 minutes.

Le Mozambique n’est pas particulièrement présent dans le cinéma documentaire français. Pays africain non francophone, il est bien trop éloigné géographiquement et ne fait plus l’actualité depuis la fin de la guerre qui l’a ensanglanté. Et dans le cinéma mondial ? Portugais peut-être ?

Et puis voilà qu’un film américain, réalisé par une cinéaste New Yorkaise, va nous y conduire, nous faire découvrir une des facettes de ce pays, sa musique – du moins un type de musique, le Heavy Métal, que pratiquent des groupes de jeunes de plus en plus nombreux et qui vivent là une aventure stimulante, enthousiasmante, qui donne sens à leur vie.

Terra Pesada est donc d’abord une plongée dans cette musique, un inventaire des groupes qui composent cette scène principalement basée dans la capitale du pays, Maputo – Silent Spirits, O.V.N.I., Magna, Mikaya, et bien d’autres encore. Des groupes que nous suivons en répétition, en concert, dans des bars ou des lieux quelque peu improbables, ou même au Centre Culturel franco-Mozambicain, où ils ont droit à une vraie scène.

Leur musique, le Métal, a plutôt une réputation sulfureuse, associée le plus souvent à la destruction. Les références que les musiciens mobilisent sont systématiquement occidentales, Metallica, Bon Jovi, Six Feet Under, Sepultura, Dream Theater, ou d’autres évoqués au détour d’une discussion. Il faut bien reconnaître que cette musique est pour le moins violente, sans nuance, toute en énergie. Et si sur scène, une fille jouant des claviers est immobile et raide, les autres, les guitaristes surtout, se déchainent, se déhanchent, sautent sur place ou arpentent l’espace en tous sens. Et le public, bien sûr n’est pas en reste.

Ces musiciens, tous très jeunes, la cinéaste leur donne la parole, les écoute, les interroge, établissant une sorte de connivence avec eux. Ils nous parlent de leur musique bien sûr, de leurs influences, de leur désir de trouver un son spécifique. Nous les voyons chercher sur Internet des informations, des contacts, de l’inspiration peut-être. Car ici aussi la toile, les réseaux sociaux, Facebook en tête, font partie de leur quotidien, indispensables, comme le téléphone portable. Une jeunesse qui n’a pas connu la colonisation portugaise, ni la guerre. Une jeunesse qui, comme toutes les jeunesses du monde entier, s’interroge sur son avenir.

Le film est donc une rencontre – une série de rencontres- avec des jeunes, filles et garçons, que nous suivons chez eux, dans leur famille, au collège et dans leurs réunions entre amis. Ils évoquent avec la cinéaste leurs conditions de vie, leurs difficultés, leurs espoirs, leurs rêves. Et cette musique qui est le sel de leur vie, leur force vitale, le ciment de leur communauté.

Un voyage passionnant dans ce pays si mal connu. Comme il serait intéressant que ce film soit distribué en France.

M COMME MINEUR ISOLE

Cœur de pierre, Claire Billet et Olivier Jobard, 2019, 86 minutes.

« Sans cœur de pierre, je ne serais jamais arrivé en France ». Et pourtant, Ghorban, ce jeune Afghan immigré en France à l’âge de 13 ans, est loin d’être insensible, même si les conditions de son exil l’ont pas mal endurci. De retour dans son pays natal après plus d’une décennie passée loin des siens, il ne peut retenir ses larmes. Comme sa mère et sa grand-mère. Des retrouvailles qui ne peuvent faire oublier qu’un jour, sans prévenir, il est parti au loin, quittant sa famille pour faire sa vie ailleurs, loin, très loin de  l’Afghanistan.

Le  film de Claire Billet et Olivier Jobard retrace les longues années de l’exil de Ghorban, depuis son arrivée à Paris jusqu’au moment où, devenu jeune adulte et ayant obtenu la nationalité française, il décide de revenir dans son pays pour retrouver sa famille, ne serait-ce que le temps d’un voyage qui prend quelque peu la forme de vacances, d’une parenthèse. Un long parcours, avec ses difficultés, ses obstacles, ses moments de découragement, mais aussi ses réussites et cette ténacité, cette persévérance  qui interdit de renoncer.

Arrivé en France après un long et difficile voyage, seul, Ghorban va bénéficier des aides accordés aux mineurs isolés. Pris en charge par l’ASE, l’Aide Sociale à l’Enfance, il sera hébergé dans un foyer jusqu’à ses 18 ans où il pourra alors s’installer dans un chez soi, dans un foyer de jeunes travailleurs. Il sera tout au long de ces longues années d’apprentissage de la vie en France suivi par un psychologue dont le film présente régulièrement des moments des séances de tête à tête, où le jeune immigré gagne peu à peu de la maturité et se forge les outils nécessaire à son intégration sociale.

Dès son arrivée, Ghorban veut aller à l’école, même s’il devra attendre une bonne année avant d’y être accepté. Sa scolarité, qui se déroule sans, semble-t-il, trop de problèmes, le conduira jusqu’à l’obtention d’un bac pro. Une consécration qui sera contemporaine avec la délivrance d’une carte d’identité française. A la fin du film, sa vraie vie d’adulte peut commencer. Après le voyage au pays natal.

Les rencontres avec le psychologue permettent d’appréhender les difficultés de vie que rencontre le jeune adolescent, difficultés sans doute rendues plus âpres par la situation d’exilé, mais qui au fond sont celles que rencontrent bien d’autres adolescents. La solitude, bien sûr, et les difficultés relationnelles avec les camarades d’école, les filles surtout. Les insomnies fréquentes. Les échéances scolaires et les incertitudes qui les accompagnent. Et surtout le souvenir de l’enfance, de la mère, de la famille, du pays, qui ne peut être effacé. Mais Ghorban fait du sport, s’intéresse à la politique, construit peu à peu des relations sociales. Si le chemin est long et souvent incertain, le film laisse clairement entendre que Ghorban est devenu un adulte qui peut trouver sa place dans la société française.

Mais le côté le plus original du film est ce voyage de retour au pays natal pour retrouver sa famille, son village, des conditions de vie qui n’ont sans doute que peu évoluées depuis son départ. Passé le moment de la grande émotion des retrouvailles et la distribution des cadeaux, il faut bien évoquer les conditions – et les raisons –  du départ du jeune adolescent, de sa fuite loin des siens. C’est tout le vécu de l’exil – du côté de celui qui part mais aussi de ceux qui restent et qui peuvent se sentir avoir été abandonnés – qui est condensé dans la confrontation entre la mère et cet enfant qui lui revient si différent, dans son costume neuf d’européen.

Une des dernières séquences du film montre Ghorban dans un champ de pavot où sa famille récolte l’opium. De bien belles images qui expriment parfaitement le sentiment de différence, et la distance, que celui qui s’est exilé un jour pour de longues années, ressentira toujours dans son propre pays.

M COMME MUSIQUE – Filmographie

Tous les genres, ou presque. Avec une nette domination du contemporain et de l’actualité. Les archives musicales existent pourtant. Et sont d’ailleurs de plus en plus  exploitées.

Des concerts et leur backstage, des répétitions, des entretiens avec les musiciens, ou leur entourage, famille et amis. Sans oublier les spécialistes, ceux qui « ont autorité » pour dire le sens d’une œuvre, retracer les grands moments d’une carrière, révéler le fond de l’âme de personnalités hors du commun.

L’art donc, mais aussi l’industrie, le commerce, les millions de disques vendus, la gloire et la déchéance. N’est-il pas dans le destin des pop-stars, de mourir à 27 ans ?

Les salles de cinéma ont aujourd’hui les moyens de donner à la musique la force – ou la pureté – qui lui est due. Voir un film musical – un film où la musique tient la première place – ce n’est donc pas uniquement admirer des images, c’est avant tout vivre une expérience sonore, où la musique n’a rien d’un simple fond ou un  accompagnement. Même si la « musique de film » a connu et connait encore de grande réussite. Il n’en sera pas question ici. Comme nous ne prendrons pas en compte les comédies musicales, ni les captations de concerts, qui ne peuvent pas être considérées comme des documentaires.

Classique

Leçons de ténèbres de Vincent Dieutre

Mon voyage d’hiver de Vincent Dieutre (Schubert)

Le concerto Mozart de Jean-Louis Comolli

Shut up and Play the Piano de Philipp Jedicke (Chilly Gonzales)

Royal Orchestra de Heddy Honigmann

Traviata et nous de Philippe Béziat

Orquestra Geração de Filipa Reis et João Miller Guerra

L’Opéra de Jean-Stéphane Bron

Musique

Expérimentale

Conférence sur rien de Jean-Jacques Palix (John Cage)

We don’t care about music anyway de Gaspard Kuentz et Cédric Dupire.

Chanson

La solitude du chanteur de fond de Chris Marker (Yves Montand)

Ne change rien de Pedro Costa (Jeanne Balibar)

Arno dancing Inside my head de Pascal Poissonnier (Arno)

Sugar Man de Malik Bendjelloul

Leonard Cohen – Bird on a Wire ! De Tony Palmer

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Pop, Rock

No direction home de Martin Scorcese (Bob Dylan)

Rolling thunder revue de Martin Scorsese

Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de D. A Pennebecker (David Bowie)

Gimme Shelter de David et Albert Maysles (The Rolling stones)

Eat That Question: Frank Zappa in His Own Word de Thorsten Schütte

Twenty feet from stardom de Morgan Neville

Le Prince Miiaou deMarc-Antoine Roudil

Janis de Amy Berg

Ami de Asif Kapadia

Kurt Cobain, About a Son de AJ Schnack

Shine a light De Martin Scorsese (The Rolling Stones)

Eric Clapton, live in 12 bars de Lili Fini Zanuck

Vingt mille jours sur Terre de Iain Forsyth et Jane Pollard (Nick Cave)

Whitney: Le Droit d’être moi de Nick Broomfield et Rudi Dolezal

musique 4

Punk

L’Obscénité et la fureur de Julien Temple

Des jeunes gens mödernes de Jean-François Sanz

Rap

93 la belle rebelle de Jean-Pierre Thorn

Jazz

Chasing Trane : The John Coltrane Documentary de John Scheinfeld

Ornette, Made in America de Shirley Clarke

Michel Petrucciani de Michael Radford

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Jazz manouche

Les fils du vent de Bruno Le Jean

 

Blues

The Blues : Godfathers and Sons de Marc Levin

The blues : Du Mali au Mississippi de Martin Scorcese

The Blues : Piano Blues de Clint Eastwood

 

Gospel

Amazing grace, Aretha Frankling de Alan Elliott, Sydney Pollack

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Country

Bungalow session de Nicolas Drolc

Flamenco

Paco de Lucía, légende du flamenco de Curro Sánchez Varela

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Afrique

Finding Fela de Alex Gibney

 

Arabe

Le Blues de l’orient de Florence Strauss

El Gusto de Safinez Bousbia

Cuba

Buena Vista Social Club de Wim Wenders

Mexique

Chavela Vargas de Catherine Gund et Daresha Kyi

Brésil

Saudade do futuro  de César Paes et Marie-Clémence Paes

 

Musique du monde

The music of strangers de Morgan Neville

Fanfare

L’harmonie de Blaise Harrison

Chorale

D’une seule voix de Xavier De Lauzanne

 

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Suger Man

M COMME MUSICIENS

Cuivres débridés. À la rencontre du swing, Johan Van der Keuken, Pays-Bas, 1992,  106 minutes

La musique dans tous ses états? Pas vraiment. Il n’y a dans le film de Van der Keuken ni musique « classique », ni jazz, ni rock, ni pop, ou tout autre courant musical destiné aux jeunes. L’Amérique du Nord et l’Europe ne sont pas présentes. Le film n’est ni une anthologie ni une compilation. Comme dans tous ses autres films, le cinéaste part explorer le monde avec un fil conducteur, une idée issue d’un désir ; ici la place de la musique dans des pays où les Européens n’ont pas l’habitude d’aller la chercher. Comme toujours, la vision que nous propose Van der Keuken est on ne peut plus personnelle.

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Nous suivons donc le cinéaste du Ghana au Surinam, du Népal à l’Indonésie. Pas de transition entre ces différents lieux. Pas de logique apparente non plus dans l’itinéraire que construit le film. Il débute au Ghana et nous retournerons dans ce pays dans une des dernières séquences. La fin du film propose d’ailleurs un montage juxtaposant les formations musicales que nous avons eu l’occasion d’écouter précédemment. Jouant le même morceau, nous passons de l’une à l’autre dans un fondu-enchaîné musical plutôt que visuel. Il n’y a pas de frontière dans la musique, pas de prévalence, pas de préférence. Chaque découverte musicale doit être un plaisir en soi, un vrai plaisir.

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Si nous entendons beaucoup de musique dans le film, son centre d’intérêt ce sont les musiciens. Des musiciens que nous rencontrons dans leur vie quotidienne, leur famille, leur métier, tailleur par exemple. C’est l’occasion bien sûr de quelques échanges où il est question de l’importance de la musique, surtout au niveau social. « La musique se moque des castes » nous dit ce damaï de Katmandou qui ajoute «  La musique permet de monter dans l’échelle sociale ». Cette inscription du social dans le film, nous la retrouvons dans pratiquement toutes les séquences, que ce soit explicitement comme dans cette maternité où il est distribué une portion de nourriture aux nouvelles accouchées, ou plus indirectement lorsque la caméra s’arrête sur les intérieur des maisons ou bien encore dans cette scène où une femme vaque à ses occupations ménagères à côté du groupe de musiciens. Si le social est omniprésent, la dimension historique n’est pas oubliée. Dans une courte séquence, sur des images d’archive en sépia, la voix de Van der Keuken en off évoque l’esclavage. Cette unique présence du cinéaste lui-même dans son film fait figure de signature.

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Si la musique est un travail, comme le dit un musicien du Surinam, la fabrication des instruments en est un encore plus évident. Dans un petit atelier artisanal, nous assistons à la fabrication d’un tuba, depuis la mise en forme des tubes de bambou jusqu’à la soudure des plaques de cuivre. Le tuba semble d’ailleurs être l’instrument favori de Van der Keuken, celui en tout cas qu’il met volontiers dans ses images comme lorsqu’il filme le paysage des pays traversés en longs travellings latéraux avec le pavillon d’un tuba en amorce à gauche de l’image.

M COMME MODE.

McQueen, Ian Bonhôte et Peter Ettedgui, Grande Bretagne, 2019, 111 minutes.

Un anglais star de la haute couture, plutôt surprenant n’est-ce pas ? D’autant plus qu’après avoir conquis Londres, il s’attaque à Paris, via Givenchy, cette vieille maison qu’il entreprend de dépoussiérer. Et c’est un succès incontestable ! Tous ses défilés sont des triomphes. Des spectacles grandioses en fait. Mobilisant une énergie folle et des moyens non moins considérables. Le film n’hésite pas à nous en présenter des extraits significatifs. Des mannequins à la démarche caractéristique, mais que le créateur sait aussi transformer, quitte à ce que son travail passe pour de la provocation (il n’hésite pas à les présenter seins nus). Et les robes et tenues sont tout aussi provocantes, importables diront certains, mais résultat d’une telle créativité dans les formes et les jeux de couleurs – sans parler de l’emploi de matériaux inattendus – que c’est le régal des yeux qui compte avant tout. Avec Alexander McQueen la mode entre dans la sphère de la fascination et de la mécanisation robotique. Un mélange explosif.

 

Le film qui lui est consacré – et dont nous découvrons in fine qu’il s’agit d’un hommage posthume – utilise tous les ingrédients nécessaires à la réussite de ce genre d’exercice. Les images d’archives pour suivre les étapes de sa carrière présentée par ordre chronologique avec pour titre des parties celui du défilé caractéristique de la période. Les images familiales pour retracer sa vie, son enfance particulièrement (dont on apprend qu’elle fut marquée par une agression sexuelle), avec les interventions des membres de sa famille, sa mère et sa sœur en particulier. En dehors de la famille, sa vie affective et amoureuse est évoquée longuement et avec force détails intimes par ses compagnons successifs. La dimension professionnelle est abordée par ceux qui l’ont côtoyé dans son métier. Tous le présentent comme très travailleur et souvent imprévisible dans ses créations. La marque du génie en somme. Quelques extraits d’entretien avec le principal intéressé lui-même ponctuent le tout. Résultat, le portrait proposé en fait un personnage attachant dont on finit par adopter la vision particulière de ce monde à part dans la société contemporaine qu’est la mode et la haute couture.

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Pour rendre compte de ce personnage hors du commun et de sa carrière exceptionnelle ; le film ne se devait-il pas de sortir des modes de représentations habituels ? C’est ce qu’il fait essentiellement dans le filmage des défilés et du milieu de la mode dans lequel évolue McQueen. On a alors des images particulièrement travaillées, des gros plans sur des objets difficilement identifiables, des effets spéciaux mêlant les couleurs et les formes. La caméra est des plus mobile pour suivre le rythme d’une musique au tempo plus que vif, et le montage devient saccadé. Ça bouge sans cesse et peu importe si l’image devient flou ou finit par ne capter que des pieds sur le sol – ou le sol uniquement. Heureusement, les entretiens sont plus cool et la fin du film (un ensemble de photos en noir et blanc après l’annonce de son suicide) nous laisse quand même sur une impression de paix.

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Pour qui n’est pas un habitué des défilés de haute couture, ce film est une excellente occasion d’observer ses dimensions à la fois spectaculaire et intime. Et si on se laisse fasciner, c’est bien parce que le cinéma en a le pouvoir.

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M COMME MEDIATHEQUE.

Aujourd’hui les bibliothèques sont devenues des médiathèques. Un changement d’appellation significatif de la reconnaissance –définitive – du cinéma (mais aussi de la télévision) comme objet culturel, à part entière, à côté du livre, en complémentarité avec le livre.

Les médiathèques mettent donc en avant les livres portant sur le cinéma (autour des cinéastes et des acteurs et actrices, sans oublier les perspectives historiques et théoriques) ou les romans ayant fait l’objet d’une adaptation cinématographique. Après tout, les relations entre cinéma et littérature ne datent pas d’aujourd’hui. Et bien sûr elles mettent à la disposition de ses lecteurs, des films en prêt sous forme de dvd, mais aussi plus récemment par accès à une plateforme numérique, Les Yeux docs.

Mais ici comme ailleurs il y a au moins une exception, une bibliothèque qui reste bibliothèque dans sa désignation, malgré la place importante qu’elle accorde dans ses activités au cinéma et tout particulièrement au cinéma documentaire. Il s’agit, on l’aura deviné, de la BPI (Bibliothèque Publique d’Information) du Centre Pompidou à Paris.

L’engagement de la BPI en faveur du développement et du rayonnement du cinéma documentaire est déjà ancien, comme le prouve l’existence – en bonne forme – du festival Cinéma du réel qu’elle pilote depuis 41 ans. Cette année voit l’arrivée à sa tête d’une nouvelle déléguée générale en la personne de Catherine Bizern. La programmation, à côté des nombreuses sections non compétitives, met particulièrement en évidence la vitalité du documentaire français, avec en particulier la projection en soirée d’ouverture du dernier film de Yolande Zauberman, M, déjà primé cet été à Locarno, et en compétitions française de premières mondiales attendues, comme les derniers films de Vincent Dieutre, Marie Dumora ou Manuela Frésil, pour ne citer qu’eux.

Plus récemment, la BPI est à l’origine de la Cinémathèque du documentaire, située elle aussi au Centre Pompidou. En un an elle a diffusé quelques 350 films et totalise plus de 13 000 spectateurs. Un succès inattendu et qui en dit long sur les attentes du public (et pas seulement les cinéphiles traditionnels) en matière de cinéma non-fictionnel.

La Cinémathèque du documentaire propose une programmation par trimestre, centrée autour d’un thème particulier, « portrait/autoportrait », en ce qui concerne l’hiver 2018-19. Ce fut l’occasion de revoir l’œuvre d’Alain Cavalier et pour beaucoup de découvrir celle de Ross McElwee, et de suivre leur dialogue autour de cette forme du cinéma autobiographique désignée plus précisément par la formule « cinéma en première personne ».

Les autres volets de sa programmation ne manquent pas d’intérêt. Citons la formule Les Yeux docs, séances gratuites à midi, qui propose sur grand écran les films de la plateforme numérique du même nom. Les Trésors du doc propose un dimanche par mois une plongée dans l’histoire du cinéma documentaire avec les classiques incontournables (comme on dit) mais aussi des raretés qui seront pour beaucoup autant de découvertes. La Fabrique des films propose une double séance, la projection d’un film d’un auteur qui vient en première partie présenter un projet en cours, retraçant sa genèse et les étapes de sa réalisation, en l’illustrant d’extraits déjà réalisés et d’une iconographie significative sans oublier les références textuelles et littéraires. Le court-métrage n’est pas oublié, avec la section Du Court toujours, des films choisis en relation avec la thématique du trimestre et présentés par leurs réalisateurs-trices. Nouvelles écritures est une section qui, comme son nom l’indique, mobilise les créations utilisant les technologies numériques et Internet. Chaque mois, la Cinémathèque laisse la place à la revue Images documentaires et à son comité de rédaction qui vient  animer la projection du film choisi. On le voit, l’ensemble est riche et varié et l’on ne peut que souhaiter voir se généraliser des séances « hors les murs » pour ne pas ignorer le public non parisien.

Quelles sont les activités des médiathèques en  faveur du cinéma documentaire ? Quelques exemples :

Le réseau national des médiathèques est aujourd’hui particulièrement impliqué dans l’opération du mois de novembre « Mois du film documentaire » ; opération initiée et pilotée par l’association Images en Bibliothèques. En 2018 ce sont plus de 800 médiathèques en France qui ont participé au Mois du film documentaire, opération qui d’ailleurs essaime en Europe et dans le monde entier.

Signalons aussi la création du label IB (Images en bibliothèques) attribué tous les trois mois à une sélection de films documentaires par un jury composé de bibliothécaires. Il s’agit de signaler aux médiathèques les films récents qui paraissent importants et devraient donc figurer dans leur fonds.

Par ailleurs, un jury de bibliothécaires existe également dans le festival Cinéma du réel. Il décerne tous les ans un prix des bibliothèques qui contribue également à mettre en valeur la création documentaire.

Si les médiathèques offrent souvent un large choix de documentaires en prêt grâce aux DVD (les dvd « Images de la culture » diffusés par le ministère de la culture via le CNC ne sont pratiquement trouvable que dans les médiathèques) il existe aussi depuis peu une plateforme numérique, Les Yeux docs, initiée par la BPI et accessible sur inscription dans les médiathèques participantes. Il est alors possible de visionner les films chez soi, en streaming ou après téléchargement. L’offre est limitée à quatre films par mois. Signalons que le catalogue des Yeux docs fait une large place aux films sélectionnés au Cinéma du réel, et en particulier ceux qui y ont obtenu le prix des bibliothèques.

Il n’est pas possible de signaler ici toutes les actions particulières des médiathèques concernant le cinéma documentaire. Je me limiterai donc à un seul exemple (mais les médiathèques peuvent très bien ajouter ici en commentaire leurs propres actions). Il s’agit de La médiathèque Marguerite Yourcenar (Paris 15°) qui organise une fois par mois une projection d’un film documentaire, souvent en présence du – de la cinéaste. Cette séance a un intitulé particulièrement savoureux : « Le Goût du doc ».

A consulter :

Le site web d’images en bibliothèque : https://imagesenbibliotheques.fr/ 

Et l’article M COMME MOIS DU FILM DOCUMENTAIRE : https://dicodoc.blog/2018/11/13/m-comme-mois-du-film-documentaire/

M COMME MAROC.

Le Chant des tortues, Jawad Rhalib, Belgique, 2013, 85 minutes.

En février 2011, dans la foulée du « printemps arabe », une partie de la population marocaine, surtout sa jeunesse, descend manifester dans la rue pour demander plus de liberté et de justice sociale. Pour éviter le sort de Ben Ali, Moubarak ou Kadhafi, le roi Mohamed VI lance une nouvelle constitution et promet des réformes. Les élections législatives de l’automne verront la victoire des islamistes. Pour les jeunes contestataires du « mouvement du 20 février », c’est une déception. Est-ce pour autant la fin de leurs espoirs de voir l’avènement d’un monde meilleur ?

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Vivant et travaillant en Belgique, Jawad Rhalib ne peut pas rester indifférent à la contestation qui secoue son pays d’origine. Il part donc au Maroc pour filmer sur le terrain les manifestations et rencontrer ces jeunes dont il partage ouvertement les aspirations. En historien, il présente rapidement dans le pré-générique de son film la situation du Maroc. Les « années de plomb » du règne d’Hassan II sont marquées par les arrestations arbitraires, la torture et une répression généralisée de toute tentative d’opposition. Avec les manifestations, la parole se libère et, peu à peu, la peur disparaît.

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Comme les films consacrés aux révolutions tunisiennes et égyptiennes, Rhalib place sa caméra au cœur des manifestations, cadrant en gros plans les visages de ces jeunes filles lançant leurs slogans jugées sur les épaules d’un de leurs camarades. Il suit la préparation puis la distribution des tracs, les explications données aux passants, le développement des revendications (le système de santé et l’école, « pourris »), il rencontre des artistes, plasticiens et chanteurs engagés. Les militants du « mouvement du 20 février » défendent des thèses pacifistes centrées sur la nécessité de la démocratie et de la laïcité. Le film montre en contre-point les manifestations de femmes voilées défendant la religion. Les aspirations de la jeunesse ne sont visiblement pas reprises par la majorité. Pourtant le film se veut optimiste. Il se termine par une note d’espoir : les changements dont la société marocaine a besoin sont inévitables, même s’ils ne sont mis en œuvre que très lentement, à la vitesse de la tortue.

M COMME MEDIAPART.

Depuis Médiapart, Naruma Kaplan de Marcedo, 2018, 98 minutes.

Médiapart, le journal, qui fait trembler les hommes politiques !

Un journal en ligne, qui s’affranchit donc des « contraintes des rotatives ».

Un journal d’investigation, selon la terminologie classique, c’est-à-dire un journal d’enquête sur le terrain, de vérification des faits. Aller voir par soi-même en ne se contentant pas des rumeurs, en ne se laissant pas influencer par les on-dit.

Un journal qui essaie de tenir ensemble deux orientations qui ont souvent été antagonistes :

  • Le scoop, suivre au plus près les événements. L’information se fait flux. Il n’est plus possible de passer à côté de quoi que ce soit.
  • Le recul, le temps de la réflexion, de l’analyse, en ayant vérifié les informations.

Un journal qui se veut indépendant, influencé par aucune ligne ou parti, politique. Et qui échappe à la mainmise du financier, des actionnaires ou des propriétaires. Comme le dit son slogan visible tout au long du film sur les affiches présentes dans la rédaction : « Seuls nos lecteurs peuvent nous acheter »

Bref un journal qui se veut différent des autres, qui prétend renouveler la pratique du journalisme, qui n’hésite pas à bousculer les idées reçues et à mettre les pieds dans le plat de la vie politique.

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Le film de Naruma Kaplan de Marcedo nous immerge donc, de façon assez traditionnelle, dans la rédaction de Médiapart, comme Yves Jeuland l’avait fait à propos du Monde (Les Gens du monde 2014), ou Raymond Depardon pour le lancement de ce nouveau quotidien que fut Le Matin (Numéros zéro 1977). Elle choisit une période cruciale de la vie politique française, de mai 2016 à mai 2017, la campagne de l’élection présidentielle, une campagne où « rien ne s’est passé comme prévu », des primaires à droite et à gauche jusqu’à l’élection d’Emmanuel Macron à la présidence de la République, en passant entre autre par l’affaire Fillon. Une période où les journalistes de Médiapart se demandent sans cesse comment rendre compte de ces événements parfois surprenants. Nous assistons donc à leurs discussions personnelles et aux réunions où toute la rédaction réunie débat de la ligne à suivre. Ces interrogations professionnelles très concrètes constituent un des intérêts indiscutables du film.

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Pourtant on reste un peu sur sa faim en ce qui concerne la question de l’évolution actuelle du journalisme et de son avenir. Que change le fait de renoncer au format papier pour faire un journal uniquement en ligne, alors que la presse française jusque-là avait suivi la ligne de la complémentarité des deux formules. Certes le film ne se veut pas une histoire de Médiapart, en particulier de son lancement. Il n’aborde aucun aspect technique et ne présente aucune donnée financière, nombre d’abonnés ou pratique des lecteurs. Tout en restant centré sur la signification éthique et politique du journalisme –ce qui est bien sûr tout à fait légitime, surtout à une époque où beaucoup de médias sont contestés par le public et le journalisme traditionnel de plus en plus remis en cause – il aurait quand même été utile d’aborder plus directement ces questions concernant l’avenir de l’entreprise.

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Dans la vie de cette rédaction où la parole est reine, il est à noter que la présence d’Edwy Pleynel – co-fondateur de Médiapart et « figure » du monde du journalisme – est particulièrement discrète. On le voit souvent en retrait dans les discussions de groupe où il n’intervient pratiquement pas. Il préfère sans doute le tête à tête où il promulgue ses conseils, surtout aux plus jeunes membres de l’équipe. Mais dans les grandes occasions – comme le live télévisé avec Macron à deux jours du deuxième tour de l’élection – c’est lui qui officie. Pour le grand public, son nom reste sans doute attaché à celui de Médiapart.

Entreprise protéiforme (journal en ligne, émissions radiophonique par podcasts, entretien télévisés live, blogs…) Médiapart préfigure-t-il ce que sera le journalisme demain ? Rendez-vous dans quelques années.

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M COMME MIYAZAKI.

NeverEnding Man : Hayao Miyazaki, Kaku Arakawa, Japon, 2018, 70 minutes.

Verrons-nous un jour sur nos écrans l’ultime film de Miyazaki ? Une histoire de chenille peut-être…

Le maître de l’animation japonaise va-t-il prendre sa retraite ? Il l’a annoncé à plusieurs reprises, mais il est toujours là, à sa table de dessin, à inventer des histoires. Pourrait-il renoncer à ce travail, lui qui est reconnu comme le maître incontesté de l’animation japonaise, ce qui n’est pas loin de signifier de l’animation mondiale. Il n’a plus rien à prouver bien sûr, mais nous espérons bien avoir encore l’occasion de découvrir un de ses films qui ravissent petits et grands et qui tous sont le fruit d’une imagination débordante.

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Le film qui lui est consacré par un réalisateur de ses amis est bien sûr un hommage. Mais surtout pas un hommage post mortem. A 78 ans Miyazaki est bien vivant, toujours acharné au travail. Même les week end et jours fériés il se retrouve dans son studio, le célèbre studio Ghibi qui a vu naître tant de chef-d’œuvre. Un studio qui pourtant, au début du film, est désert, puisque Miyazaki en a décrété la fermeture.

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Mais Miyazaki se sent vieux. Il dit qu’il a de plus en plus de mal à se concentrer. Et effectivement il a souvent l’air fatigué. Il parle souvent de la mort. Mais il est bien le seul à dire qu’il n’est pas loin de la fin. Car il a visiblement gardé toute sa force de conviction, dans la pertinence de ses choix esthétiques, la nécessité de maintenir le dessin à la main dans le cinéma d’animation, face aux images de synthèse.

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Le grand intérêt du film c’est de montrer ce grand créateur s’interroger sur le sens de son art et sur les évolutions introduites dans l’animation par l’ordinateur et l’intelligence artificiel. La machine pourra-t-elle bientôt (dans quelques années quand même) dessiner comme un être humain. Face aux jeunes promoteurs de cette révolution, Miyazaki est septique. Certes les images de synthèse peuvent atteindre une certaine beauté et il ne les rejette pas à priori. Mais dans le fond il reste fondamentalement attaché à ce qui a toujours été son travail, le dessin. Et c’est bien pourquoi le film répète, sans fin a-t-on parfois l’impression, les gros plans de son crayon sur le papier. Nous le retrouvons sans cesse, pendant les deux années durant lesquelles se déroulent le film (le changement des saisons est clairement inscrit à l’écran) dans son studio, à sa table de travail qu’il ne quitte semble-t-il que pour boire un café ou manger un bol de pâtes instantanées, toujours vêtu de son tablier de jardinier et répétant son geste d’énervement de se passer la main dans les cheveux. Miyazaki apparaît ainsi comme un créateur tourmenté, prêt à abandonner mille fois le projet de ce nouveau long métrage. Mais il trouve toujours en lui l’énergie nécessaire pour poursuivre. Et soyons sûr (même si le film laisse un peu planer le doute) que l’échéance fixée – les jeux olympique de Tokyo – sera tenue.

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Qui n’a jamais vu un film de Miyazaki découvrira ici les titres de ses œuvres avec quelques images dans une sorte de pot-pourri particulièrement rapide. Mais le film s’adresse à ceux qui ont reconnu depuis longtemps la richesse des œuvres du studio Ghibi et d’une grande part de l’animation japonaise. Voir Miyazaki au travail, avec son exigence de perfection, fait alors comprendre pourquoi il est possible d’y prendre autant de plaisir.

M COMME MAI 68.

Les Révoltés, Michel Andrieu et Jacques Kebadian, 2018, 80 minutes.

L’histoire de mai 68 – mais il ne faut pas oublier juin – racontée à partir d’images d’archives.

Pour fonctionner de façon efficace, le genre implique qu’un certain nombre d’exigences soient prises en compte.

  • Le récit se doit d’être complet, d’où la recherche du plus grand nombre d’archives possible pour ne pas risquer de laisser de côté un événement, si minime soit-il au regard du déroulement historique.révoltés 2
  • Corolaire, le récit doit être ordonné dans un ordre chronologique strict. Les dates des événements s’inscrivent en surimpression sur les images. Par exemple, les nuits des barricades ou les différentes manifestations.
  • Les images doivent être immédiatement identifiables par les spectateurs, même les plus jeunes, ceux qui n’ont pas vécu eux-mêmes les événements. Cela ne pose guère de problème pour les affrontements étudiants-crs. C’est moins évident pour les occupations d’usines et les débats qui s’y sont déroulés entre ouvriers et syndicats.révoltés 3
  • Les images doivent être sinon inédites, du moins ne pas en rester à la vision la plus connue, ayant déjà fait maintes fois l’objet de montage à prétention historique. Néanmoins, les images les plus célèbres, devenues des icônes de l’époque, ne peuvent pas être systématiquement écartées, au risque d’être accusé de parti-pris, voire de censure. C’est le cas, évident, des images des prises de parole de Cohn-Bendit en particulier. L’équilibre entre images connues et inédites ou rares doit donc faire l’objet d’un savant dosage qui implique de ne négliger aucune source, mais aussi de résister autant que faire se peut aux facilités dictées par l’air du temps (les idées reçues véhiculées par l’époque de réalisation du film).
  • Le recours à un commentaire surajouté aux images doit être limité au strict minimum ou même être systématiquement écarté. Les images sonores peuvent d’ailleurs le plus souvent s’en passer, une fois le repérage du jour et du lieu effectué.
  • révoltés 5
  • De même donner la parole à des témoins ou des acteurs de l’époque n’a pas de légitimité dans un film d’archives. Le faire conduirait à un autre film et réduirait la pertinence des images. Si l’on fait le choix de considérer que les archives possèdent une véracité intrinsèque, il faut leur faire confiance jusqu’au bout. Néanmoins, comme les images ne peuvent guère questionner par elles-mêmes leur propre valeur de vérité, le film d’archives se voit immanquablement limité qu’à n’être qu’une reconstitution vivante (dans le cas d’archives sonores filmées, ce qui est le cas ici) des événements.révoltés 4
  • Et c’est bien ainsi que fonctionne ce Révoltés. Il nous plonge au cœur des événements. Nous y sommes. Nous y participons. Nous en sommes des acteurs. Ce que renforce d’ailleurs la bande son dans laquelle les éclatements de grenade sont systématiquement renforcés ou du moins placés au premier plan. Voir le film ne laisse donc aucune place à la distanciation ou à la réflexion dans le cours de la projection. Reste à savoir si le temps de l’analyse après-coup peut profiter pleinement de la richesse des images.

M COMME MADAGASCAR.

Fahavalo, Madagascar 1947, Marie-Clémence Andriamonta-Paes ; France-Madagascar, 2018, 90 minutes.

Fahavalo, c’est le nom donné aux « rebelles » qui lutte pour obtenir l’indépendance de Madagascar à partir de 1947. Une indépendance qui leur avait été promise par le Général De Gaulle pendant la seconde guerre mondiale en échange de la participation des soldats malgaches au conflit aux côté des forces de libération. Mais au retour des combattants dans leur île, le discours est tout autre. La métropole a besoin de café, entre autre. Alors l’indépendance devra attendre.

Les anciens soldats de retour d’Europe vont alors se révolter, armés de sagaies, et se réfugier dans la forêt pour fuir la répression. Mais ils sont protégés par les talismans qui les rendent invincibles. Alors ils finiront par triompher.

Le film, qui retrace aujourd’hui cette histoire oubliée alternent les témoignages des derniers survivants de cette lutte et les images d’archives, le tout resitué dans les villages d’aujourd’hui. Et nous parcourons une grande partie de l’île en suivant la ligne de chemin de fer à travers les forêts, une ligne que la rébellion suivait précisément.

Aujourd’hui les survivants de la révolte sont de moins en moins nombreux. D’où l’urgence de recueillir leur parole. Ces vieux messiers, édentés et mal rasés, ont encore des souvenirs bien vivants des conditions de leur lutte. Une lutte dont on ne parle plus, ni en France, ni à Madagascar. Alors le travail de mémoire est indispensable. Le film s’en acquitte parfaitement.

Un film précieux donc pour sa dimension historique. Mais aussi parce que traiter du colonialisme aujourd’hui nous pousse nécessairement à nous interroger sur la situation actuelle de ce pays, souvent désigné comme étant un des plus pauvres du monde.

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M COMME MEXIQUE – Cassandro.

Cassandro el exotico, Maris Losier, 2018, 73 minutes.

Il vole, il plane, il plonge. Il fait des pirouettes. Il s’élance dans les cordes. Il tombe sur ses partenaires ou dans la foule au bord du ring. Un vrai spectacle. Un spectacle bien rodé dont nous suivons la préparation dans les répétitions. Et toutes ces chutes, ces culbutes, s’enchainent à un rythme des plus soutenu. Le film ne se prive pas de nous offrir ce spectacle tout au long de son déroulement. Nous ne sommes pas, nous spectateurs de cinéma, dans l’ambiance surchauffée de ces salles, mais nous participons quand même à la magie de ces exploits physiques où tout semble improvisé, même si nous savons très bien qu’il s’agit d’une chorégraphie minutieusement préparée.

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Cassandro est une star – La star, plusieurs fois champion du monde – de Lucha Libre, cette sorte de catch si populaire au Mexique. Une carrière de 27 années consacrées entièrement à ce qui est sa passion – en même temps que sa profession – et à laquelle il se consacre corps et âme.

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Côté corps, la première partie du film insiste sur la puissance de ses muscles et la beauté de son visage. Nous assistons à de longues séances de maquillage. Les yeux bien sûr, mais aussi sa chevelure blonde qui est pour Cassandro la marque de son identité. Tous ses partenaires portent des masques, mais lui, il est Exotico, homosexuel sans masque.

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Puis vient le temps de l’usure, de la douleur, des marques du temps. Cassandro montre les traces de ses fractures, ses jambes raccommodées, ses mains coupées, les cicatrices sur son front. Toutes les parties de son corps ont été victimes un jour ou l’autre de blessure, et toute la fin du film le montre marchant avec des béquilles ou boitant. Il est temps d’arrêter, décision si dure à prendre mais imposée par la nécessité. Le film se termine donc sur une note plutôt triste. La fuite du temps entrainant l’éloignement de la gloire passée.

 

Côté âme, le film est bien sûr un portrait très empathique. La connivence entre le catcheur et la cinéaste est particulièrement sensible dans leurs dialogues par ordinateurs. Diminué dans son corps, il a besoin de soutien et de réconfort. Mais ses convictions restent intactes. IL a lutté aussi en dehors du ring, pour se faire accepter comme gay et pour faire reconnaître la communauté LGBT. Et il lui en a fallu du courage dans un monde particulièrement macho et homophobe. Le film est aussi un hommage à son engagement social.

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Tourné en 16 mm, le film est riche en recherche de formes non conventionnelles. Les traces de colures entre les plans, occasionnant des effets de brulures et de détérioration des couleurs, ne sont pas gommées. Les surexpositions non plus. Les éblouissements face aux spots de lumière sont nombreux. A quoi s’ajoutent des ralentis et des accélérés, en particulier dans le filmage de la lutte sur le ring. Bref Cassandro est un film qui cultive un petit côté presque artisanal – un film de famille en somme. Mais il faut reconnaître qu’il y a là un choix particulièrement judicieux et tout à fait adapté à ce portrait d’une personnalité attachante jusque dans son côté fanfaron sur le ring.

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Après la ballade consacrée à Genesis P. Orridge et à sa compagne Lady Jaye, Marie Losier s’affirme comme la cinéaste des stars décalées dont la marginalité de la vie est présentée avec une extrême sensibilité.