Des films anciens ou récents, inédits ou culte ; des entretiens avec des cinéastes ; des filmographies thématiques. Le documentaire sous toutes ses formes.
L’Epine dans le cœur. Film de Michel Gondry. France, 2010, 82 minutes.
Michel Gondry a une tante dénommée Suzette. Elle a été institutrice pendant plus de trente ans, dans les Cévennes, plus exactement dans huit écoles successives dans le département du Gard. Elle est maintenant à la retraite depuis une bonne vingtaine d’années. Lorsque son cinéaste de neveu décide de faire un film sur elle, c’est d’abord pour retracer cette carrière professionnelle bien remplie. Mais très vite cet aspect passe quasiment au second plan. Ce que raconte le cinéaste Michel Gondry, c’est la vie de Suzette Gondry, sa vie personnelle, sa vie de famille. Une famille qui est aussi celle de Michel. Une façon détournée de parler de soi, avec pudeur, mais aussi avec sincérité. Une enquête familiale quoi résonne comme une autobiographie.
La vie professionnelle de Suzette, ce sont des changements d’école, la découverte de nouveaux villages, la rencontre de nouveaux collègues, de nouveaux voisins. Gondry ponctue cet itinéraire avec des vues d’un train électrique (dont on découvrira vers la fin du film que c’est une passion de Jean-Yves, le fils de Suzette), avec en surimpression l’indication du village et de l’année de nomination. Suzette évoque au fil de ce parcours les difficultés de ses débuts, son arrivée dans une classe unique sans formation, le premier rapport de l’inspection, les locaux souvent vétustes. Ce voyage souvenir lui permet de retrouver d’anciens collègues, d’anciens élèves ou leurs parents. Un ancien Harki par exemple qui raconte son arrivée dans les Cévennes et sa scolarisation dans la classe de Suzette. Toutes ces rencontres font l’éloge de Suzette, de sa dévotion pour son travail, de son dévouement pour les élèves. Le côté « innovant » de ses pratiques est aussi évoqué, comme le fait de conduire sa classe à la piscine pour que les enfants apprennent à nager. Un portrait attendrissant d’une institutrice « à l’ancienne », dans une France rurale où la vie sociale était fondamentale. Gondry a-t-il pensé à Pagnol en le réalisant ?
Ce portrait d’enseignante, c’est aussi le portrait d’une femme, une femme simple, gaie (le fou rire du pré-générique est un morceau d’anthologie), dynamique dont le film retrace, par petites touches, les joies et les peines, les moments cruciaux de la vie ou des instants plus anodins. Si Suzette est bien sûr le personnage principal du film, un personnage que Gondry transforme en véritable actrice de cinéma, son fils, Jean-Yves, lui ravie presque la vedette dans les nombreuses séquences où il évoque sa scolarité (ce n’est pas facile d’être dans la classe de sa mère), ou ses relations avec son père, à propos en particulier de la découverte de son homosexualité. Gondry alterne ainsi avec une grande maîtrise du montage, les moments de joie et de tristesse, les rires et les pleurs, mais toujours avec une retenue qui évite tout risque d’exhibitionnisme.
Le film inclue tout au long de ces portraits des images du passé tournées en 8 mm, en particulier par Jean-Yves à l’occasion de fêtes et de réunions familiales. Il nous propose aussi des images de certaines classes de Suzette et de ses élèves. Visiblement, la famille Gondry a une passion pour le cinéma.
Elles ont entre 6 et 12 ans. Elles partagent la passion de la danse. Une passion et un rêve : devenir danseuse professionnelle, pourquoi pas à l’Opéra de Paris. Même si elles savent d’emblée que toures ne seront pas élues. En attendant, il leur faut faire des efforts continus, persévérer et s’améliorer sans cesse, être la meilleur dans les concours. Et souffrir, souffrir, pour plier leur corps juvénile aux exigences des mouvements de plus en plus difficiles à exécuter. Et satisfaire les exigences de plus en plus grandes de leur professeure. Et de leurs parents. Un monde de l’enfance qui doit se plier aux dictats des adultes.
D’un côté donc des enfants, avec leurs comportements d’enfant, leurs rires et leurs pleurs d’enfant. Un groupe où s’affirment l’amitié et la solidarité face aux difficultés et surtout face aux échecs. Ce sont bien des enfants, lorsqu’elles partagent l’insouciance des jeux Mais ce sont aussi presque des adultes, dans leur détermination à surmonter tous les obstacles. Et ils sont nombreux.
De l’autre les adultes. Les parents, surtout les mères. Et la professeure.
Une professeure d’une école privée fonctionnant sur le modèle de l’entraineur sportif. Sans hésitations dans ses exigences. Elle pousse toujours ses danseuses dans leur dernière limite, toujours au bord de la rupture, de l’accident, de la blessure. Ou de la crise de désespoir de ne pas y arriver. De se sentir incapable de progresser encore. Et pourtant, malgré ce ton toujours à la limite du cri, elle les aime ses danseuses. Une affection qui n’est pas toujours visible mais que l’on sent bien réelle dans plusieurs séquences où elle tombe pour un instant son masque autoritaire. Même sa vois se fait plus douce.
Et les parents ? Leur amour non plus ne fait pas de doute. Mais ne sont-ils pas entrés dans un engrenage qui les pouce à ne jamais faiblir, à ne pas douter. Et lorsque l’enfant souffre trop, il reste indispensable de cacher ses pleurs.
Le film fonctionne systématiquement à la séduction. Essentiellement en filmant au plus près ces fillettes avec des gros plans sur ces visages qui doivent toujours sourire. Mais aussi sur les jambes, dans les exercices et les répétitions. En plus, le fil narratif ne recule pas devant pas mal de dramatisation. Lors de la blessure d’Ida, bien sûr. Mais aussi lors du concours final, même si le triomphe de la petite n’a jamais fait de doute.
Séduire, n’est-ce pas une des composantes de l’art de la danse ?
La pudeur ou l’impudeur. Hervé Guibert, 1991, 58 minutes.
Dans les années 1990, le monde culturel paya un lourd tribut au sida.
Hervé Guibert, écrivain, photographe, journaliste, critique, disparu en 1991.
Dans les dernières semaines de sa vie il réalisa un film autobiographique, un journal intime où il filme sa maladie.
Ce film peut être considéré aujourd’hui comme une chronique des années sida.
La pudeur, c’est ne jamais dramatiser.
C’est filmer la vie quotidienne comme si de rien n’était. Une vie calme, presque paisible, sans crise, sans bouleversement, sans excès. Une vie qui a eut un début, dont il n’importe pas qu’on se souvienne. Une vie qui aura une fin, inéluctable. Bientôt
La pudeur c’est ne jamais se plaindre, comme si on acceptait son sort. Être résigné, puisque de toute façon il n’est pas possible d’inverser le cours des choses.
La pudeur, c’est faire comme si on avait confiance en la médecine, comme si on pensait qu’elle allait vaincre la maladie, bientôt.
La pudeur c’est ne pas accuser. Ne pas chercher les responsabilités. Ne pas maudire le ciel ou la terre. Prendre simplement les hommes à témoin.
La pudeur, c’est faire un autoportrait, en écrivain, en cinéaste.
La pudeur c’est ne diffuser le film qu’à titre posthume.
L’impudeur, c’est se filmer, sous toutes les coutures, dans toutes les positions presque. Être pratiquement seul à l’écran d’un bout à l’autre du film.
L’impudeur c’est ne pas éviter les gros plans. Filmer ce corps affaibli, amaigri, épuisé.
L’impudeur c’est montrer la vie qui s’éteint, qui disparait peu à peu, comme la flamme d’une bougie qui a épuisé sa réserve de cire.
L’impudeur, c’est la maladie, la mort annoncée, la mort chaque jour plus proche.
L’impudeur, c’est penser au suicide. Parce que la vie est devenue intolérable.
L’impudeur, c’est dire le sida.
La pudeur ou l’impudeur, le cinéaste devrait-il choisir ? Pourquoi ne pas chercher plutôt un équilibre, ou un balancement de l’une vers l’autre, une alternance si régulière qu’elle en devient imperceptible.
L’Etat du Texas contre Mélissa. Sabrina Van Tassel, 2021, 107 minutes.
Ce film peut être analysé à trois niveaux.
1 C’est un film-enquête. Ou plutôt une contre-enquête. Partant de la version officielle des faits, tels qu’ils apparaissent dans le jugement condamnant Mélissa pour le meurtre de sa dernière fille – son quatorzième enfant – il s’agit de montrer les failles de l’enquête, les partis-pris de la justice, sa précipitation, voire ses erreurs, ce qui nous conduit inévitablement à douter de sa culpabilité.
2 Le film est aussi un portrait. Le portrait d’une femme, simple, peu (ou plutôt pas du tout) séduisante. Sa vie ne comporte guère de faits marquants, sauf qu’elle vient de passer 10 ans dans le couloir de la mort après sa condamnation. Et elle n’inspire guère de sympathie au début du film. Si elle a vraiment tué son enfant, n’est-elle pas un monstre. D’autant plus qu’elle se drogue de façon inconsidérée. Mais peu à peu, le film renverse cette vision. Si Mélissa n’est pas alors présentée sous un jour entièrement positif, du moins elle acquiert dans le film une véritable humanité qui transcende son statut social de femme pauvre hispano-américaine.
3 Le film peut alors être considéré comme une prise de position contre la peine de mort, même si cette dimension n’est pas ouvertement revendiquée par la réalisatrice. Et c’est je mérite du film de ne pas être un simple réquisitoire véhément. Sabrina Van Tassel ne joue aucunement sur la corde sensible qui pourrait conduire le spectateur à s’apitoyer sur le sort de Mélissa. Me problème de la peine de mort n(est pas seulement une affaire de sentiment et de conviction. Il doit avant tout être inscrit dans une réflexion sur le fonctionnement de la justice et l’impartialité de ceux qui condamnent.
En définitive, ce film est une critique impitoyable d’une certaine Amérique ; celle qui avait élu Trump. Celle qui triomphe au Texas et dans sa justice.
Poisson d’or, poisson Africain. Thomas Grand et Moussa Diop, Sénégal, 2018, 60 minutes.
Du poisson. Beaucoup de poisson. Des montagnes de poissons. Comme si la côte, le port, la ville étaient ensevelis sous le poisson. Toute une région qui ne vit que par le poisson, pour le poisson.
Nous sommes à Kafountine, en Casamance au sud du Sénégal, un port dont la prospérité attire les travailleurs des quatre coins de l’Afrique. Ils viennent de Guinée, du Burkina, du Mali, de Côte d’Ivoire…Même s’ils savent que le travail est dur et qu’ils ne pourront sans doute pas rester là indéfiniment. Mais ils peuvent gagner là de quoi envoyer de l’argent à leur famille. Alors ils ne se plaignent pas.
Le film de Thomas Grand et Moussa Diop nous plonge au cœur de ce monde, de cette région où le drame n’est jamais loin. Ils décrivent la situation des pêcheurs avec une grande précision, mais sans pathos. Ils filment ce travail, auquel ils s’accrochent sans se laisser aller au désespoir. Un cri silencieux qui n’en est que plus percutant.
Les images sont saisissantes, même si les cinéastes ne recherchent pas le spectaculaire à tout prix. Dans les pirogues où les pêcheurs, chantant en chœur, déploient toute leur force pour hisser les lourds filets à bord et déverser les poissons. Au port, sur la plage, lorsque les immenses vagues soulèvent les pirogues et les porteurs qui viennent prendre le poisson dans les caisses qu’ils portent sur leur tête. Dans la ville elle-même où ces mêmes porteurs acheminent leur charge au petit trop. Une agitation filmée comme une chorégraphie où aucun des acteurs ne semble fatigué. Ce qui n’est bien sûr qu’une illusion. Et puis Ils filment les fours construits pour fumer le poisson, et l’écran est envahi de fumée au point qu’on a du mal à respirer. La déforestation sauvage – pour trouver le bois nécessaire aux fours – laisse dans la brousse des espaces dénudés avec quelques souches des arbres coupés. Les femmes sont obligées de venir très tôt le matin pour espérer trouver une place dans le décorticage du poisson. Peu nombreux sont ceux ou celles qui parviennent à s’enrichir quelque peu. Mais tous travaillent sans répit, sans repos.
Il est rare de voir un film d’une telle puissance d’évocation. Si des entretiens nous permettent de nous rapprocher des cas particuliers, c’est bien plutôt une vision collective qui domine. Tous ces hommes et toutes ces femmes, pour différentes que soient leur origine et leur histoire, vivent la même domination de ce poisson et du travail qu’il impose.
Et l’avenir ? Un épilogue décrit la catastrophe tant redoutée. L’implantation à Kafountine d’usines de farine de poisson, modifie radicalement le contexte économique de la région. Ce sont des milliers de travailleurs qui se retrouvent sans ressources. C’est toute une partie de l’Afrique qui se voient privée d’une partie de leur alimentation, les poissons transformés (fumés ou séchés…) Car les farine sont expédiées en Asie, en Europe et même en Amérique. Les africains ne retirent plus de bénéfice du poisson qu’ils pêchent.
Les images du film ont perdu leur éclat. La ville n’offre plus qu’un spectacle de désolation.
THOMAS GRAND / Gérant de ZIDEOPROD BP13A NGUEKHOKH, SENEGAL (+221) 77 458 65 13 zideoprod@yahoo.fr https://www.zideoprod.com Né le 14 avril 1976 à PARIS, Titulaire du Permis B, Nationalité Française Gérant de Zideoprod, Producteur, Réalisateur, Cadreur, Monteur Anglais et Wolof lus et parlés Notions d’Allemand DIPLOMES 1994 Bac B 1997 Deug de Gestion-Economie Appliquée à l’Université Paris 9 Dauphine 2000 Diplôme de réalisation audiovisuelle à l’ESRA PARIS (Ecole Supérieure de Réalisation Audiovisuelle)
FILMOGRAPHIE 2018-2020 Production et Réalisation d’un film documentaire de 60’ « Poisson d’or, poisson africain » sur les problématiques de pêche artisanale et de transformation, de sécurité alimentaire et de migrations en Casamance Partenaires : MUNDUS MARIS, Fondation ROSA LUXEMBURG Sélectionné dans 190 festivals internationaux, primé à 62 reprises. Diffusions TV5 Monde, TV5 Afrique, Canal+ Afrique 2020 Réalisation d’un film d’anthropologie visuelle « L’enfant au cœur des soins » sur la prise en charge de la douleur des enfants dans les services de maladies chroniques au Sénégal Clients : Ambassade de France, Principauté de Monaco 2019 Réalisation d’un film sur le portrait de Khoudia Sow, Prix de Recherche de la Fondation Croix-Rouge Client : Fondation Croix-Rouge Réalisation de 5 films sur les 50 ans de l’UNFPA (Films sur la santé de la reproduction, l’accompagnement des adolescents, les violences basées sur le genre, dividende démographique) Client : UNFPA 2018 Réalisation d’une fiction-documentaire « L’impatience de vivre » sur les grossesses adolescentes au Bénin, programme CORARE. Clients : AFD, CNRS 2017 Réalisation d’un film sur le programme ENSPEDIA (Enfance et soins en pédiatrie en Afrique de l’Ouest) Client : CNRS, UNICEF, Principauté de Monaco 2016 Réalisation d’un spot promotionnel du secteur artisanal au Sénégal Client : La KORA-PRD / Frères des Hommes / AFD Réalisation de 3 films programme COMFISH (Gestion concertée pour une pêche durable au Sénégal) Client : USAID (Agence Américaine de Coopération Internationale) Premier Prix d’Excellence au Concours Women in the SeaFood Industry (WSI) 2019 Tournage dans des écoles maternelles et des maternités – régions de Kaolack et de Thiès – Client : Racines d’Enfance (France) 2015 Production déléguée et régie d’un court-métrage tourné au Sénégal « L’histoire de Saré Bafé » Client : LECODE (France) Production et Réalisation d’un film documentaire de 26’ « Diogué, une île de pêche menacée » sur les problématiques d’érosion côtière et ses conséquences sur la pêche artisanale Partenaires : MUNDUS MARIS, Fondation ROSA LUXEMBURG Diffusions RTBF/ TV5 Monde (Reflets Sud) 2018 2014 Tournage d’un reportage sur un projet d’électrification en zone rurale ENERDYNAMIC –Fondation Servir le Sénégal (région de Matam, Sénégal) Client: Bloomberg TV-21th Century Business-MMP (USA) Réalisation d’un film bilan de format 13’ sur un séminaire « Transition Humanitaire et réflexions éthiques au Sénégal » Client : Fonds Croix Rouge Française Co-Production et réalisation d’un film de format 20’ sur les innovations paysannes (Thiès, Sénégal) Clients : CTA-ONG Agrécol Afrique 2013 Réalisation d’un film de format 26’ autour du projet COGEPAS (Cogestion des pêcheries artisanales du Sénégal) Client : JICA (Agence Japonaise de Coopération Internationale) 2012 Réalisation d’un film de format 26’ « Des Aires Marines pour protéger la pêche : Réflexions en Afrique de l’Ouest » Client : CSRP (Commission Sous Régionale des Pêches) 2011 Réalisation d’un film de vulgarisation de format 26’ autour du programme P.D.R.D (Programme de Développement Rural Durable) Client : JICA (Agence Japonaise de Coopération Internationale) 2010 Réalisation d’un reportage de format 20’ sur une visite d’échange à Joal entre les représentants des différentes Aires Marines Protégées du Sénégal Client : UICN (Union Internationale de Conservation de la Nature) Réalisation d’un film de sensibilisation de format 26’ « Le défi de la cogestion des pêcheries artisanales au Sénégal » Programme COGEPAS Client : JICA (Agence Japonaise de Coopération Internationale) 2008/2009 Production et réalisation d’un film documentaire de format 52’ « Kayar, l’enfance prise aux filets » Film subventionné par le Ministère des Affaires Etrangères du Royaume d’Espagne et par l’AECID (Agence Espagnole de Coopération Internationale pour le Développement) Diffusions TV5 et CFI Prix du Meilleur Documentaire Festival Image et Vie 2010 (Dakar, Sénégal) Sélectionné au Festival Pêcheurs du Monde 2010 (Lorient, France) Mission de conseil et de formation en audiovisuel au Niger et au Sénégal autour du projet « Réflexivité et Créativité dans l’éducation au développement », Client : Plan International 2006 Mission de Conseil pour le Ministère de la Présidence du Royaume d’Espagne et le Bureau Technique de Coopération de l’Ambassade d’Espagne à Dakar dans le cadre d’une campagne de sensibilisation au Sénégal sur le thème de l’immigration clandestine Client : AECID (Agence Espagnole de Coopération Espagnole pour le Développement) Production et Réalisation d’un film documentaire « Benn Lannu » sur une résidence d’artistes danseurs à l’Espace Sobo Badé, Toubab Dialaw (UNESCO-ASCHBERG « Bourses pour Artistes ») 2005 Réalisation d’un reportage de 60’ « Les Aires Marines Protégées du Sénégal, un pari pour l’avenir » Client: WWF (World Wide Fund For Nature) 2004 Réalisation de films de danse pour la compagnie Jant-Bi, Germaine Acogny 2002/2003 Technicien d’exploitation, responsable post-production et assistant monteur Big Mama Post-Production (Paris), Tetra Media (Paris)
POISSON D’OR, POISSON AFRICAIN – Sélections festivals, nominations et prix – Thomas Grand & Moussa Diop, Sénégal, 2018 Production : ZideoProd Avec le soutien de : Fondation Rosa Luxemburg et Mundus Maris 10ème Festival Pêcheurs du Monde (Lorient, France, mars 2018) Prix du Public Mention Spéciale Jury Professionnel Mention Spéciale Jury Jeunes 22ème Festival Ecrans Noirs (Yaoundé, Cameroun, juillet 2018) Ecran du Documentaire International Prix TV5 Monde 3ème Toukountchi Festival de Cinéma du Niger (Niamey, Niger, octobre 2018) Prix du Meilleur Documentaire Moyen & Long Métrage 5ème Festival International de Films sur les Droits de l’Homme FIFIDHO (Niger, novembre 2018) Prix de la Meilleure Réalisation (Prix Djingarey Maïga) 6ème Festival du Film de Masuku Nature & Environnement (Masuku, Gabon, décembre 2018) Prix Etudiant du Festival de Film de Masuku 10ème Festival International du Film Documentaire de Khouribga (Khouribga, Maroc, décembre 2018) Grand Prix Prix de la Critique 6ème Green Image Film Festival (Tokyo, Japon, février 2019) Grand Prix Prix Green Image 30ème Festival des Rencontres Cinéma-Nature (Dompierre sur Besbre, France, avril 2019) Grand Prix Prix du Public 16ème Festival de Films pour l’Environnement – FFPE (St Casimir de Portneuf, Canada, avril 2019) Prix du Meilleur Film Etranger 1er Festival International du Film de Mer « Les Ecrans de la Mer » (Sables d’Olonne, France, mai 2019) Prix de l’Ecriture 8ème Deauville Green Awards (Deauville, France, juin 2019) Trophée d’or 8ème Festival International du Documentaire des Droits de l’Homme (Rabat, Maroc, juin 2019) Prix du Jury 3ème Migranti Film Festival (Bra/Turin, Italie, juin 2019) Prix du Meilleur Documentaire 4ème The African Film Festival-TAFF (Dallas, Texas, USA, juin 2019) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 1er Festival de Cinéma Euro-Africain Cinéma de Souss Massa (Tiznit, Maroc, juin 2019) Mention Spéciale avec Félicitations du Jury 1er Tulum World Environment Film Festival (Tulum, Mexique, juillet 2019) Prix du Meilleur Film Long Métrage 1er Indo-Global International Film Festival (Mumbai, Maharashtra, Inde, juillet 2019) Prix du Meilleur Réalisateur 1er Sea & Beach Film Festival (Alicante, Espagne, juillet 2019) Prix du Meilleur Film Long Métrage 5ème Green Montenegro International Film Fest (Podgorica, Monténégro, août 2019) Grand Prix 6ème Food Film Fest (Bergame, Italie, août 2019) Prix du Meilleur Documentaire 5ème Festival Corti di Mare (Modica, Italie, septembre 2019) Prix du Meilleur Documentaire 6ème Festival des à côtés (Lyons la Forêt, France, octobre 2019) Prix du Jury 10ème Cabo Verde International Film Festival (Sal, Cap Vert, octobre 2019) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 13ème Festival International du Cinéma des Peuples Ânûû-rû Âboro (Pwêêdi Wiimîâ, Nouvelle Calédonie, octobre 2019) Prix Ânûû-rû Âboro du Meilleur Moyen Métrage de la Compétition Internationale 19ème Festival Lumières d’Afrique (Besançon, France, novembre 2019) Prix du Public (Documentaires Long Format) 8ème Festival International du Film des Lacs et Lagunes FESTILAG (Abidjan, Grand-Bassam, Côté d’Ivoire, novembre 2019) Prix du Meilleur Documentaire 2ème Festival International Sahélien du Film FISFI (Maroua, Cameroun, novembre 2019) Prix du Meilleur Documentaire 2ème Festival CinémaTerre (Metz, France, novembre 2019) Prix Spécial du Jury 38ème Grand Prix International URTI du Documentaire d’Auteur (Paris, France, mars 2020) Grand Prix 32ème Fête Européenne de l’Image Sous-Marine et de l’Environnement (Strasbourg, France, mars 2020) Prix de l’Environnement 1er Retro Avant Garde Film Festival NYC (New York, USA, mai 2020) Prix des Droits Humains 2ème Kiarostami Film Festival (Istambul, Turquie, mai 2020) Prix du Meilleur Documentaire 2ème Retro Avant Garde Film Festival Cairo (Le Caire, Egypte, mai 2020) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 3ème Mena Film Festival (La Haye, Pays Bas, juin 2020) Prix du Meilleur Réalisateur Documentaire Long Métrage 12ème SiciliAmbiente Film Festival (San Vito La Capo, Italie, août 2020) Prix Greenpeace Italia 2ème Prix du Concours Documentaire 10ème Festival de Cine Verde de Barichara FESTIVER (Barichara, Santander, Colombie, septembre 2020) Mention d’Honneur de la Compétition Internationale Long Métrage 2ème Festival des Mémoires de la Mer (Rochefort, France, septembre 2020) Prix du Film « Les Mémoires de la Mer 2020 » 11ème Silicon Valley African Film Festival (San José, Californie, USA, octobre 2020) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 14ème Terra di Tutti Film Festival (Bologne, Italie, octobre 2020) Mention Spéciale du Jury Benedetto Senni 5ème Lake International Panfafrican Film Festival (Nairobi, Kenya, novembre 2020) Prix du Meilleur Documentaire 2ème Festival « Les Rimbaud du Cinéma » (Charleville-Mézières, France, novembre 2020) Rimbaud du Film Documentaire 15ème Festival de Peliculas Nativas Arica Nativa (Arica, Chili, novembre 2020) Prix du Meilleur Film Catégorie Afrique Long métrage 3ème GeoFilm Festival (Cittadella, Italie, novembre 2020) Prix International du Film « The Golden Earth » 4ème Fiorenzo Serra Film Festival (Sassari, Italie, novembre 2020) 1er Prix Fiorenzo Serra (Catégorie Principale Long Métrages) 1er Festival TarapacaFic – Festival International de Cine de Tarapaca – (Iquique, Chili, novembre 2020) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 9ème Festival Lagunimages (Cotonou, Bénin, décembre 2020) Nokoué d’or – Grand Prix – 1er Kukastream Online African Film Festival (Festival en ligne, Afrique du Sud, décembre 2020) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 1er Village Arts & Film Festival VILLAFEST (Owerri, Imo, Nigéria, décembre 2020) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage 2ème Festival Natourale (Wiesbaden, Allemagne, décembre 2020) Lion Rouge de Hesse – Prix du Développement Durable – 12ème Festival International du Film Court et du Documentaire de Casablanca (Casablanca, Maroc, décembre 2020) Prix de la Meilleure Réalisation (Concours Documentaire) Impact DOC Awards 2021 (La Jolla, Californie, USA, janvier 2021) Prix de Reconnaissance 1er Festival Internacional de Cine Documental de Santa Teresa – Pampa DocFest – (La Pampa, Patagonie, Argentine, mars 2021) Prix du Meilleur Documentaire Long Métrage International Prix du Secrétariat à la Culture de La Pampa 2èmes Teranga Movies Awards (Dakar, Sénégal, juillet 2021) Prix du Meilleur Long-métrage Documentaire 3ème L’œil du Kwatt – Festival International du Film de Quartier – (Atok, Cameroun, août 2021) Le Kwatt d’Or – Prix du Meilleur Film – 15ème GREEN SCREEN – Internationales Naturfilmfestival Eckernfôrde – (Eckernförde, Allemagne, septembre 2021) Prix de la Meilleure Production Indépendante Finaliste aux Etoiles de la Scam 2019 (France, juin 2019) Nominé aux Green Film Network Awards 2019 (Seia, Portugal, octobre 2019) Nominé aux African Movie Academy Awards 2019 (Lagos, Nigeria, octobre 2019) Nominé aux 8èmes Kisima Music & Film Awards (Nairobi, Kenya, décembre 2020) Nominé aux 7 èmes WAMMA Awards « West African Music & Movie Awards » (Niamey, Niger, juin 2021) Finaliste au 4ème Roma Cinema Doc 2020 (Doc International) (Rome, Italie, mai 2020) Finaliste au 11ème Fist Up Film festival (Oakland, Californie, USA, mai 2020) Sélectionné au 1er Festival International Sahélien du Film FISFI (Maroua, Cameroun, septembre 2018) Sélectionné au 18ème Festival de Cinéma Image & Vie (Dakar, Sénégal, octobre 2018) Sélectionné au 10ème Festival Alimenterre Belgique (Bruxelles, Belgique, octobre 2018) Sélectionné au 5ème Festival International de Cinéma de Kinshasa FICKIN (Kinshasa, RDC, octobre 2018) Sélectionné au 16ème Festival des Cinémas d’Afrique du pays d’Apt FCAPA (Apt, France, novembre 2018) Sélectionné au 1er Festival des Identités Culturelles FESTIC (Ouagadougou, Burkina Faso, novembre 2018) Sélectionné au 32ème Festival International du Cinéma Francophone en Acadie FICFA (Nouveau Brunswick, Canada, novembre 2018) Sélectionné au 3ème Festival International du Film sur la Migration-OIM GMFF2018 (Genève, Suisse, novembre/décembre 2018, projections dans le monde entier) Sélectionné au 5ème Festival Afrikabok (Sine Saloum, Sénégal, novembre 2018) Sélectionné au 5ème Out of Africa International Festival OAIFF (Nairobi, Kenya, novembre 2018) Sélectionné aux Rencontres Cinématographiques Internationales de Dakar RECIDAK 2018 (Dakar, Sénégal, novembre 2018) Sélectionné au Festival Ciné Droit Libre de Dakar (Dakar, Sénégal, novembre 2018) Sélectionné au Festival des Solidarités FESTISOL (Bretagne, France, novembre 2018) Sélectionné au 5ème Festival International du Cinéma Numérique de Cotonou FICNC (Cotonou, Bénin, décembre 2018) Sélectionné au 16ème Festival International du Film des Droits Humains de Paris FIFDH (Paris, France, décembre 2018) Sélectionné au 20ème Black Movie-Geneva International Independant Film Festival (Genève, Suisse, janvier 2019) Sélectionné au 6ème West African Film Festival (Houston, Texas, USA, février 2019) Sélectionné au 9ème Festival Ecran d’Afrique (Mordelles, France, mars 2019) Sélectionné au 4ème Rapid Lion – The South African Film Festival (Johannesburg, Afrique du Sud, mars 2019) Sélectionné au 11ème Festival Pêcheurs du Monde (Escales du Festival) (Lorient, France, mars 2019) Sélectionné au 15ème Festival L’ici et L’ailleurs (St Martin en Bresse, France, mars 2019) Sélectionné au 40ème Festival Curieux Voyageurs (Saint-Etienne, France, mars 2019) Sélectionné au 8ème Luxor African Film Festival (Luxor, Egypte, mars 2019) Sélectionné au 9ème Eko – International Film Festival (Lagos, Nigéria, avril 2019) Sélectionné au 16ème Festival International du Film Panafricain de Cannes (Cannes, France, avril 2019) Sélectionné au 6ème Festival Koudougou Doc (Koudougou, Burkina Faso, avril 2019) Sélectionné au 24ème Afrika Film Festival (Leuven, Belgique, avril-mai 2019) Sélectionné au 12ème African World Documentary Film Festival (San Diego, Californie, USA, avril/août 2019) Sélectionné à la Semaine Africaine de l’UNESCO (Paris, France, mai 2019) Programmé dans le cadre des Ciné-Rencontres sur les Droits Humains de l’Association Pierre Chaussin (Sainte-Savine, France, mai 2019) Sélectionné au 18ème Festival de Lasalle-DOC Cévennes (Lasalle, France, mai-juin 2019) Sélectionné au 4ème Festival Résonances (Bruxelles, Belgique, mai-juin 2019) Sélectionné au 1er Festival Espelhos d’Africa (Salvador de Bahia, Brésil, mai-juin 2019) Sélectionné au 3ème Festival CinemAmbulante (Calabre, Italie, juin 2019) Sélectionné au 3ème African Diaspora Cinema Festival (Florence, Italie, juin 2019) Sélectionné au 5ème Festival Eurafriclap (Paris, France, juin 2019) Sélectionné au 10ème Festival International des Films d’Environnement de Chefchaouen (Chefchaouen, Maroc, juin 2019) Sélectionné au 3ème The Buddha International Film Festival (Pune, Maharashtra, Inde, juin 2019) Sélectionné au 3ème Festival International de Cinéma Environnemental de Gabès -FICEG- (Gabès, Tunisie, juillet 2019) Programmé à l’Exposition Mer XXL (Nantes, France, juillet 2019) Sélectionné au 6ème Festival Africlap (Toulouse, France, août 2019) Sélectionné au 2ème Kracow International Green Film Festival (Cracovie, Pologne, août 2019) Sélectionné au 2ème Motion Pictures International Film Festival (Salt Lake City, Utah, USA, août 2019) Sélectionné au 17ème Afrika Film Festival Köln (Cologne, Allemagne, septembre 2019) Sélectionné au 9ème San Francisco Green Film Festival (San Francisco, Californie, USA, septembre 2019) Sélectionné au 6ème Festival Cinéma et la Mer (Sidi Ifni, Maroc, septembre 2019) Sélectionné au 10ème Silicon Valley African Film Festival (San Jose, Californie, USA, octobre 2019) Sélectionné au 6ème BIFED- Bozcaada International Festival of Ecological Documentary (Section Panorama) (Bozcaada, Turquie, octobre 2019) Sélectionné au 8ème Jozi Film Festival (Johannesburg, Soweto, Afrique du Sud, octobre 2019) Sélectionné au Festival Alimenterre 2019 (Projections en France, au Canada et en Afrique, octobre/novembre 2019) Sélectionné au 8ème SunChild International Environmental Festival (Yerevan, Arménie, octobre 2019) Sélectionné au 8ème Festival Augen Blicke Afrika (Hambourg, Allemagne, novembre 2019) Sélectionné au 2ème Online African Film Festival (OAFF) (Festival en ligne, novembre 2019) Programmé au Colloque International « Vulnérabilité des sociétés et des milieux côtiers et estuariens d’Afrique de l’Ouest » PATEO (Université Assane Seck de Ziguinchor, Sénégal, novembre 2019) Sélectionné au 20ème Festival « Aux Ecrans du Réel » (Le Mans, France, décembre 2019) Sélectionné au 10ème Festival du Film Documentaire de St Louis (St Louis, Sénégal, décembre 2019) Sélectionné au International Film Festival on Organic Farming (Université de Musashi, Japon, décembre 2019) Sélectionné au 17ème Festival International du Film des Droits Humains de Paris FIFDH (Paris, France, décembre 2019) Sélectionné au 9ème IntimaLente Film Festival (Caserta, Italie, décembre 2019) Programmé au 6ème Rendez-vous du Cinéma Africain (La Flèche, France, janvier 2020) Programmé au Café Kultu / Cinécyclub /Cinécyclo (Dijon, France, février 2020) Sélectionné au 3ème Nepal International Film Festival-NIFF (Kathmandou, Népal, février 2020) Sélectionné au 7ème Darbhanga International Film Festival (Darbhanga, Bihar, Inde, février 2020) Programmé au 4ème Festival Film Femme Afrique (Focus Sénégal) (Dakar, Sénégal, février 2020) Sélectionné au 7ème Festival Amnesty International « Au Cinéma pour les Droits Humains » (France, mars 2020) Sélectionné au 8ème Festival International du Film Indépendant de Bafoussam (Bafoussam, Cameroun, mars 2020) Programmé au Printemps Africlap (Toulouse, France, mars 2020) Sélectionné au 2ème Malabo International Music & Film Festival (Malabo, Guinée Equatoriale, avril 2020) Programmé au 31ème Festival des Rencontres Cinéma-Nature (Dompierre sur Besbre, France, avril 2020) Sélectionné au 2ème Festival AfroCine (Popayán, Colombie, mai 2020) Programmé au Festival Africadelic (Amsterdam, Pays Bas, mai 2020) Sélectionné au 1er Lockdown Film Festival (Festival en ligne, Royaume Uni, juin 2020) Sélectionné au 13ème Smaragdni Eco Film Festival – SEFF (Zagreb, Croatie, juin 2020) Sélectionné au 11ème Liberation Docfest Bangladesh (Agargaon, Bangladesh, juin 2020) Sélectionné au 6ème International Nature Film Festival Gödöllő (Gödöllő, Hongrie, septembre 2020) Sélectionné au 17ème Water Sea Oceans Internatonal Film Festival (Hluboka Nad Vtlavou, République Tchèque, septembre 2020) Sélectionné au 14ème Jahorina Film Festival (Pale, Bosnie Herzégovine, septembre 2020) Sélectionné au 10ème Wildlife Conservation Film Festival (New York, Miami, Los Angeles, USA, octobre 2020) Sélectionné au 1er International Environmental Documentary Film Festival (Kerala, Inde, octobre 2020) Sélectionné au 5ème Working Title Film Festival (Vicence, Italie, octobre 2020) Sélectionné au 1er Ontario International Film Festival (Toronto, Canada, octobre 2020) Sélectionné au 6ème Another Way Film Festival (Madrid, Espagne, octobre 2020) Sélectionné au 21ème Bergen International Film Festival (Bergen, Norvège, octobre 2020) Sélectionné au 13ème Zózimo Bulbul Black Film Festival – Brazil, Africa, Caribbean and Other Diasporas (Rio de Janeiro, Brésil, octobre 2020) Sélectionné au 6ème Festival des Sciences de Noirmoutier (Noirmoutier, France, octobre 2020) Sélectionné au 24ème International Ecological Festival « TO SAVE AND PRESERVE « (Ugra, Fédération de Russie, octobre 2020) Sélectionné au 4ème Festival Nouvelles Vues Haïti (Port-au Prince, Haïti, novembre 2020) Sélectionné au 1er Festival « Bangui fait son Cinéma » (Bangui, République centrafricaine, novembre 2020) Sélectionné au 7ème Festival Mente Locale – Visioni sul Territorio (Vignola, Italie, novembre 2020) Sélectionné au 4ème Singapore Eco Film Festival (Singapour, novembre 2020) Sélectionné au 1er Rising Sun International Film Festival (Kitakyushu City, Fukuoka, Japon, novembre 2020) Programmé au 8ème Festival du Film de Masuku -Edition Spéciale- (Masuku, Gabon, décembre 2020) Sélectionné au 2ème Festival « L’Afrique fait son Cinéma » (Paris, France, décembre 2020) Sélectionné aux 1ères Rencontres Cinématographiques des Techniciens -Panorama- (Kpalime, Togo, décembre 2020) Sélectionné au 27ème New York African Film Festival (New York, USA, mars 2021) Sélectionné au 1er Biophilic Film Festival (Nairobi, Kenya, mars-avril 2021) Sélectionné au 9ème Nepal Africa Film Festival Guaporé (Kathmandou, Népal, avril 2021) Sélectionné au 1er Guaporé Festival Internacional de Cinema Ambiental (Porto Velho, Brésil, avril 2021) Programmé au Festival Afrikabok -Edition Spéciale – (Festival en ligne, Sénégal, avril 2021) Sélectionné au 7ème Festival Internacional de Cine en La Isla (Isla Fuerte, Certagena de Indias, Colombie, mai 2021) Sélectionné au 7ème Zambia Short Film Festival (Lusaka, Zambie, mai 2021) Programmé au Festival Africadelic (Amsterdam, Pays Bas, mai 2021) Sélectionné au 8ème Construir Cine – Festival Internacional de Cine Sobre El Trabajo (Buenos Aires, Argentine, mai 2021) Sélectionné au 12ème FESTICAB -Festival International du Cinéma et de l’Audiovisuel du Burundi (Bujumbura, Burundi, mai-juin 2021) Sélectionné au 5ème BCT – Festival Nazionale del Cinema e della Television di Benevento (Benevento, Italie, juin 2021) Sélectionné au 2ème Festival International des Courts Métrages La Pointe Noire (FICOMP) -Panorama Spécial – (Pointe-Noire, République du Congo, juin 2021) Sélectionné au 1er Festival Téélméri Bop Kon (Bargny, Sénégal, juin 2021) Sélectionné au 10ème Festival Globale Mittelhessen (Mittelhessen, Allemagne, juillet 2021) Sélectionné au 1er KAMERAT – Festival selavskega filma – (Hrastnik, Slovénie, juillet 2021) Sélectionné au 3ème FESCILOM (Lomé, Togo, juillet 2021) Programmé au Festival EducAmbiente – Film de clôture – (Baghiera, Italie, août 2021) Sélectionné au 1er Festival Internacioanl de Cine – El Cine suma paz – (Bogota, Colombie, septembre 2021) Sélectionné au 3ème Quibdo Africa Film Festival (Pointe-Noire, République du Congo, septembre 2021) Sélectionné au 2ème Annual Social and Economic Justice Film Festival (San Francisco, Californie, USA, septembre 2021) Sélectionné au 4ème Paraná International Films Festival (Paraná, Argentine, septembre 2021) Sélectionné au 4ème LAN – Festival audiovisual obrero (Bilbao, Espagne, septembre 2021) Sélectionné au 8ème Festival Internacional de Cine De Puerto Madryn – MAFICI – (Puerto Madryn, Argentine, septembre 2021) Programmé à la 9ème RIAC – Rencontre Internationale d’Art Contemporain de Brazzaville – (Brazzaville, République du Congo, septembre 2021) Sélectionné aux 2èmes Job Film Days – Il Cinema Per I Dritti Di Chi Lavora – (Turin, Italie, septembre 2021) Sélectionné au 6ème Out of Africa International Film Festival (Nairobi, Kenya, septembre 2021) Sélectionné au 11ème Filmambiente Festival (Rio de Janeiro, Brésil, octobre 2021) Sélectionné au 13ème Festival Internacional de Cine Invisible “Film Sozialak” (Bilbao, Espagne, octobre 2021) Sélectionné au 17ème Globalisierungskritishes Filmfestival (Leipzig, Allemagne, novembre 2021) Sélectionné au 14ème Festival Internacional de Cinema Africano de Argentina (Buenos Aires, Argentine, novembre 2021) Sélectionné au 10ème Festival Cinematographico Internacional « El Ojo Cojo » (Madrid, Espagne, novembre 2021) Sélectionné au 8ème Festival Yarha – Semaine Internationale du 1er Film – (Yaounde, Cameroun, novembre 2021) Sélectionné au 14ème Festival Ciné Regards Africains (Paris, France, novembre-décembre 2021) Sélectionné aux 7èmes Trophées Francophones du Cinéma (Kigali, Rwanda, décembre 2021) Sélectionné au 3ème Festival International du Documentaire Maritime – FIDOM – (Bordeaux, France, janvier 2022) Sélectionné au 1er Social Impact Film & Arts Festival – SIFA Festival Awards (Sainte-Geneviève, Canada, juin 2022)
1 Quelle est la genèse de votre film, Le Grand Ecran ? D’où vient l’idée première ? Quelles ont été les étapes de sa mise en œuvre ?
Alphonse Ntep : Il faut dire que l’idée de faire ce film date de trois ans. Je m’en souviens comme si c’était hier. Les chiffres, je les connais par cœur parce qu’il s’agit de mon pays. En 2018, le Compte d’Affectation Spéciale pour le Soutien de la Politique Culturelle attribuait à la « CATEGORIE CINEMA ET AUDIOVISUEL » une enveloppe de 26.850.000XAF soit 40.000€ sur un total général de 221.900.000XAF soit 338.000€ destinée au secteur artistique et culturel de tout le triangle national. 32 projets avaient bénéficié de cette enveloppe. Des projets, qui, pour la plupart n’ont pas vu le jour ou du moins, ne verront « jamais » le jour.
Dès lors, je me suis posé mille et une questions… : Quelle est la place de la culture en général et du cinéma en particulier dans un pays comme le nôtre ? Pourquoi ne pas produire avec cette enveloppe un film de qualité qui pourrait valablement représenter les couleurs de la nation de par le monde ?
Il est peut-être vrai que plusieurs pays d’Afrique francophone connaissent le même sort… Mais, des efforts sont faits. On peut voir avec le cas du Sénégal qui investit à l’heure actuelle 2 Milliards XOF par an dans ce secteur, soit 3 Millions €, le Burkina Faso et la Cote d’Ivoire ne sont pas en reste (1 Milliard XOF soit 1.5 Million € par an).
Dans ce désarroi, j’ai eu le plaisir de faire la rencontre d’une jeune compatriote, Carole Djoukam, qui, avait partagé avec moi l’idée de faire un film sur le Festival Ecrans Noirs. Ce n’est qu’à partir de là que je me suis formellement engagé à réaliser et produire ce film, qui, est une conjugaison d’idées.
Il faut dire que le titre a connu beaucoup de mutation de : « BLACK SCREENS, THE REVERSE », en passant par « L’ECRAN, AU CŒUR DU DEVELOPPEMENT… » pour aboutir à « LE GRAND ECRAN », ce fameux court métrage documentaire de 23’.
Cette autoproduction est un véritable plaidoyer qui devrait ouvrir des perspectives aux cinéastes camerounais (surtout les jeunes) mais aussi ceux d’autres pays d’Afrique francophone. Il devrait inciter les autorités publiques, les organismes à créer un véritable fonds non seulement pour la formation des métiers du cinéma mais aussi de « prendre en compte le cofinancement de la diffusion avec le secteur privé ».
Vous comprendrez donc que c’est un documentaire propagandiste qui vante les mérites du cinéma. C’est tout aussi un film d’information car il conserve toute sa valeur informative même si pour certain, il présenterait l’inconvénient de travestir l’information sur la réalité montrée en l’arrangeant selon mes convenances.
Les étapes de sa mise en œuvre ont été très simples quoique cela nous ait pris trois années de notre vie, mon équipe et moi. Mais, il a été avant tout important :
De bien définir le sujet… au regard des multiples intentions ;
De faire une investigation et une recherche de documents relatifs au sujet ;
Ensuite, un inventaire des documents trouvés a été fait, repérages ;
Après, le tri, organisation et classification des documents trouvés par catégories et nature ;
Ensuite, il a été question de faire le choix du contenu à aborder et de l’angle d’attaque (car on ne pouvait pas tout montrer. Il fallait choisir ce qui allait être montré ou dit sur le sujet). Elaboration de la trame et du canevas.
Place au développement (écriture du sujet). Il était question de rédiger la narration off qui devait accompagner les images. Cette narration faisait office de « scénario » ou plus exactement du conducteur (texte emplacement des interviews plus les prévisions images et sons de chaque segment). Une tâche qui a été effectué par Loris Clet Adiang et Carole Djoukam qui signent le scénario du film.
Nous avons par la suite enchainé avec les tournages sur les sites (prises de vues et sons, interviews…) pendant deux ans années successives 2019, 2020 sur une période de 7 jours par an car il fallait attendre chaque édition du festival Ecrans Noirs et avoir les accords de certains intervenants. Tous ne vivent pas au Cameroun. Les tournages ont donc été faits au Cameroun et en Belgique.
Ce n’est qu’en Juin 2021 que mon équipe et moi avons entamé les montages. Il est important de dire que ça nous a pris du temps avant de commencer à le monter car je recherchais une véritable aide à la post-production pour ce film que je n’ai malheureusement pas pu obtenir. Il m’a fallu tendre la main du côté de la société civile qui m’a été d’un très grand soutien pour la finition de ce projet.
Cette étape a connu : le tri et maquettage (montage brut), la fabrication des éléments d’habillage (graphiques, affiches,..), post-production image et mixage son (Montage final, étalonnage et habillage). La version PAD est donc disponible depuis août 2021.
Par ailleurs, je ne dirais jamais assez merci aux membres de mon équipe, qui, pour la plupart ont travaillé sans « véritable salaire ».
Actuellement, nous en sommes à la phase de vente et de diffusion… Nous y travaillons et espérons qu’il soit largement diffusé dans le monde.
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2 Quelle est la place du documentaire dans le cinéma africain en général et celui du Cameroun en particulier ?
Alphonse Ntep : Je vais éviter de parler d’un « cinéma » dit africain car pour moi le cinéma est universel et nous partageons nos cultures, nos valeurs et nos connaissances à travers son langage. Je dirais dès lors que le documentaire occupe une place importante dans le cinéma en Afrique comme partout ailleurs bien sûr. On peut le reconnaitre non seulement sur le plan quantitatif mais aussi qualitatif des productions du cinéma documentaire qui font la fierté du continent Africain de par le monde. Les exemples sont légion : « EN ROUTE POUR LE MILLIARD » de Dieudo Hamadi (RDC), « POISSON D’OR, POISSON AFRICAIN » de Thomas Grand et Moussa Diop (Sénégal) ou même « NUIT DEBOUT » de Nelson Makengo (RDC)… pour ne citer que ces films-là.
En ce qui concerne le Cameroun en particulier, autant dire avec franchise que c’est l’un des pays africains qui produit le moins de film documentaire sur une année… A quelques rares exceptions près avec les cinématographies des réalisateurs qui ont toujours fait bouger les lignes à savoir Jean Marie Teno,Mary-Noël Niba, Rosine Mbakam, François Woukoache… la liste est exhaustive.
Mais, il faut noter que depuis un certain temps, avec la nouvelle vague de cinéastes au Cameroun, on observe de plus en plus un grand intérêt pour le genre documentaire. D’ailleurs, au Cameroun, des initiatives collectives sous formes de programmes tels que Patrimoine-Héritage ou Yaoundé Lab Film accompagnent des jeunes auteurs et autrices dans l’écriture, le développement, la production et la coproduction des projets de films documentaires.
3 Quel type de public le cinéma a-t-il au Cameroun ?
Alphonse Ntep : Je pense qu’à l’heure actuelle, au Cameroun, le cinéma produit localement est en phase de réconciliation avec le grand public. Même s’il faut reconnaitre que le public jeune répond le plus présent. Mais, ce qui manque à la production locale, c’est la communication autour du produit (film) pour pouvoir atteindre la cible préétablie. Le grand public consomme davantage ce qui est vulgarisé. Mais, je pense que pour une industrialisation effective du secteur du cinéma au Cameroun l’on devrait concilier ces trois piliers : les films (qui se font de plus en plus rares, moins de 10 films produits par an), les salles (pratiquement toutes inexistantes et/ou fermées) et le public (de plus en plus exigeant et averti).
4 Le festival Ecrans noirs occupe une grande place dans votre film. Pouvez-vous évoquer pour nous son histoire. Quel est son retentissement en Afrique ?
Alphonse Ntep : Tout à fait… Quoiqu’on dise, on ne saurait parler d’un rayonnement du cinéma en Afrique centrale sans évoquer le groupe nominal « ECRANS NOIRS ».
Le festival Ecrans Noirs a été créé par la société Les Films Terre Africaine (du réalisateur camerounais Bassek Ba Kobhio)qui a financé ses premières années d’existence avec le soutien de l’Agence de Coopération Culturelle et Technique(ACCT), etc… Sa première édition s’est ténue en 1997… Son but étant de valoriser « les cinémas d’Afrique et Monde Noir ». Il devient en 2008 un festival compétitif mettant en exergue de nombreux prix et talents… Près de 10 ans après sa première édition, l’AssociationEcrans Noirs verra le jour pour la bonne gestion du festival. De plus en plus, le festival écrans noirs a cessé d’être une affaire unipersonnelle pour devenir une affaire collective. C’est ainsi que s’est développé le festival et l’association Ecrans Noirs…
En décembre 2019, il est classé 7e parmi le TOP 10 des festivals de cinéma en Afrique par l’Association Royale de la Presse Nord Sud. Il devient donc l’évènement cinématographique le plus important d’Afrique Centrale.
5 Comment êtes-vous devenu cinéaste ? Quel est votre itinéraire personnel dans le cinéma ?
Alphonse Ntep : Il faut dire que je n’étais pas prédestiné à être cinéaste. Dès l’âge de 10 ans, je rêvais d’être écrivain. Des circonstances m’ont conduit à étudier les sciences humaines. Ce n’est qu’en 2015, lorsque j’entrais en 3e année géographie physique que j’ai véritablement commencé à m’intéresser aux métiers du cinéma. Passionné d’actorat, mais piètre comédien, je tournais dans les rues de Yaoundé quelques vidéos amateurs que l’on visionnait entre potes croyant faire du cinéma.
Ce n’est qu’en 2017 que j’ai la chance de participer à deux ateliers de formations notamment en scénario et réalisation cinéma… Sous l’encadrement de Mohamed Arious (Scénariste Marocain) et Serge Alain Noa (Scénariste et Réalisateur Camerounais).
Pour moi c’était déjà un bon départ… Jusqu’à ce que je fasse également la connaissance de Robert Lombaerts (Journaliste et Cinéaste Belge) qui décide de partager avec moi à distance son expérience. Je ne prétendrais donc pas avoir fait des études supérieures en cinéma ou autres… Je me considère avant tout comme un autodidacte.
La même année, je participe au projet de film court métrage « NYANGONO » de Marc Anda en qualité de premier assistant réalisateur.
L’an qui suivait, 2018, j’ai été pendant six mois, assistant réalisateur stagiaire à la société de production Les Films Terre Africaine.
Je réalise la même année mon premier court métrage « SURPRISE » qui a reçu un excellent accueil au Cameroun et en Europe ce qui m’a valu la reconnaissance de l’Etat du Cameroun en qualité d’artiste cinéaste.
Par la suite, je m’essaie à une pratique : la critique cinématographique. Essai qui s’est soldé par la parution de plusieurs articles sur le cinéma en Afrique lorsque j’étais Correspondant de l’Association Royale de la Presse Nord Sud pôle Afrique (Bureau de liaison Bruxelles), rubrique cinéma.
En 2020, durant sa 24e édition, je suis convoqué par l’Association Ecrans Noirs pour siéger au plus haut niveau dans le comité de visionnage et de sélection des films pour l’évènement cinématographique voire artistique le plus important d’Afrique Centrale, le festival Ecrans Noirs.
6 Quels sont vos projets actuels ? Avez-vous un film en préparation ou en cours de réalisation ?
Alphonse Ntep : J’ai un projet en développement sur lequel je consacre une partie de mon temps. La réécriture du scénario de mon projet de premier long métrage de fiction intitulé « KENGBA », une adaptation de mon ouvrage. En espérant trouver, les moyens et les bons collaborateurs pour sa réalisation… Mais bon, ça c’est pour plus tard…
Le court métrage, indispensable école dans le parcours des longs… J’ambitionne réaliser encore un ou deux courts en dehors des deux déjà réalisés.
Des scénarii existent déjà et pour certain avec une carrière à l’instar de mon projet de court métrage « CLAP » sélectionné à la résidence d’écriture scénaristique durant festival international des films de femmes de Salé au Maroc en 2017.
Donc, il serait possible que dans les prochains mois, je réalise un prochain court métrage de fiction.
7 Quels sont les cinéastes africains qui vous ont influencé ? Et dans le cinéma mondial, quels sont ceux que vous admirez ?
Alphonse Ntep : En parlant des cinéastes en Afrique qui m’ont d’une manière ou d’une autre influencé, il y’a le très célèbre écrivain et cinéaste sénégalais ; j’ai nommé Sembène Ousmane. Je n’ai peut-être pas eu la chance de le connaitre personnellement ou même de le rencontrer car il décède alors que je n’étais qu’un gamin en 2007 (je devais être en classe de 6e cette année-là). Mais, je m’intéressais fortement à la littérature… C’est comme ça je me suis frotté à la lecture de certains ouvrages tel que « O PAYS, DE MON BEAU PEUPLE », l’un de ses ouvrages(le vadémécum de mon feu grand père).
Naïvement, je ne savais pas qu’on pouvait être écrivain et faire autre chose, en occurrence le cinéma. Plus tard j’ai eu le privilège de découvrir pour la toute première fois un film en salle. C’était « MOOLAADE » de Sembene Ousmane… J’avais été captivé par l’une des thématiques qu’abordait le film (l’excision) car on en parlait déjà dans nos programmes scolaires à cette époque-là.
En dehors du grand Sembène, j’ai beaucoup été marqué par Fadil Chouika, réalisateur marocain pour son film « LA MAIN GAUCHE » et son excellent travail de direction photo. En toute honnêteté, c’est un court métrage que je peux visionner n fois sans me fatiguer pour l’originalité du sujet, l’accroche, sa technique mais également pour son excellente création musicale…
Pour ce qui est du cinéma mondial, j’ai beaucoup d’admiration pour James Cameron avec ses films tels que « TITANIC » et « ALITA : BATTLE ANGEL » pour lequel il est producteur et coscénariste. Mais aussi Luc Besson, waouh… pour son film « ANNA ».
8 Comment voyez-vous l’avenir du cinéma en Afrique ? Etes-vous optimiste ?
Alphonse Ntep : L’Afrique c’est l’avenir !!! Et le cinéma en Afrique a de beaux jours devant lui. Ce qui manque, c’est vraiment la professionnalisation dont-on a besoin pour assurer véritablement une production internationalement reconnue. Même si certains efforts sont faits, cela se voit à travers des films comme « LA NUIT DES ROIS » de Philippe Lacôte (Côte d’Ivoire), « BENDSKINS » de Narcisse Wandji (Cameroun)… Mais, il faut penser à pérenniser une telle mouvance… A travers lacoproduction Sud-Sud, pas seulement pour la qualité des films mais aussi pour faire plus de films parce qu’il y a de moins en moins de guichets mais aussi la formation.
Des écoles existent, mais parlant des écoles professionnelles, pas beaucoup. On connait celles de l’Afrique du Sud, du Maroc, du Ghana, du Burkina Faso, du Bénin… Mais, des écoles un peu partout.
Au Cameroun en particulier, nous travaillons sur Création d’une Fédération des cinéastes. Au niveau de l’enseignement supérieur, on note la création des cycles licence et master professionnels en cinéma dans certains instituts privés sous la tutelle des universités d’Etat… En plus, depuis trois années, on a annoncé l’introduction de l’enseignement du cinéma dans les programmes du secondaire. On espère que cela sera effectif très bientôt.
A travers de telles initiatives, on peut se dire que les autorités s’engagent désormais dans la lutte pour le développement durable d’une culture cinématographique dans la sous-région Afrique Centrale. Il y a donc en réalité une compréhension des acteurs de l’image et des autorités sur la question essentielle : l’Afrique a besoin de ses propres images.
Une image, un film : L’époque de Matthieu Bareyre, 2018, 94 minutes.
Rose écrit et dessine sur ses jambes, ses bras et ses mains. « Les Pocks », c’est le bruit que font les coups de matraques sur la tête dit-elle.
Des bruits, il y en aura bien d’autres dans le film. Surtout des explosions, un bruit autrement plus fort. Des bruits de manifestations. Avec ses face-à-face avec les forces de l’ordre. Et toujours dans un épais brouillard. Celui des gaz lacrymogènes.
Mais surtout des cris de révolte de toute une jeunesse. Celle des quartiers comme on dit. Des jeunes qui n’ont souvent que les pavés pour s’exprimer. Mais ici ils peuvent dire ce qu’ils ont sur le cœur. Et ils ne s’en privent pas.
Rose est omniprésente dans le film. Avec sa franchise, sa gaité, ses jugements définitifs et la pertinence de sa vision du monde. Son monde. Et celui de tous ceux que le cinéaste a accueillis devant sa caméra.
Paris, 2015 2016 2017 précise l’incipit du film. De l’après-Charlie à l’élection de Macron.
Une époque qui semble bien lointaine aujourd’hui. Une époque caractéristique du monde d’avant. Qu’est devenue Rose pendant la pandémie ?
Connu sous le pseudonyme de Alphonse Ntep, Alphonse Magloire Ntep Ntep est un réalisateur camerounais de moins de trente ans. Titulaire d’une Maîtrise en Economie de Développement obtenue à l’Université d’Etat de Yaoundé 1, il fait ses classes de cinéma à l’Institut Spécialisé de formations aux métiers du Cinéma et de l’Audiovisuel d’Afrique Centrale (Scénario)… Et suit un atelier de formation en Réalisation Cinéma notamment à Yarha. Son premier court métrage de fiction « Surprise » le révèle au grand public en 2018… La même année, le jeune auteur verra son premier ouvrage « KENGBA » publié aux éditions de la Douzième Vague en France. Deux ans après, il siège en tant que membre du comité de visionnage et de sélection des films lors de la 24e édition du festival Ecrans Noirs. Sa collaboration avec l’Association Belge francophone ARPNS (Association Royale de Presse Nord Sud) lui a valu plusieurs articles sur le Cinéma Africain dont il est l’auteur…
2021, Réalisateur du film « LE GRAND ECRAN », genre Documentaire, format court métrage, 24’.
2018, Réalisateur du film « SURPRISE », genre Fiction, format court métrage, 06’. Palmarès du film :
2018, 5e édition du Festival Panafricain du Film d’Ecole de Yaoundé, catégorie Espoir (Cameroun).
2018, 4e édition du Festival du Cinéma de Taverny, catégorie Ado/Adultes Professionnels : Prix du « Coup de cœur des internautes » (France).
2018, 15e édition du Festival International du Film Ecole « FESTIMAJ 2018», catégorie Jeunes Réalisateurs (France).
2018, 1ère édition de la journée du jeune cinéaste Camerounais (Cameroun)
2018, 6ème édition du festival International du court métrage Brèves d’Images, catégorie Initiés (France).
2018, 3e édition du festival International du film du Quartier (Cameroun).
2018, 1ère édition Festival International Sahélien du Film (Cameroun).
2018, 15ème édition du Festival International du Cinéma et Migration d’Agadir (Maroc).
2018, 5ème édition du Festival International du premier film dénommé YARHA (Cameroun).
2018, 5ème édition du Festival International du Film des droits de l’homme de Niamey (Niger).
2019, 5e édition du Festival Educatif Komane (Cameroun).
2019, 5e édition du Festival Melong Movies Show (Cameroun).
2019, 18e édition du Festival International du Cinéma et de l’Education de Fès (Maroc)
2019, 7e édition du Festival International du Cinéma Indépendant de Bafoussam (Cameroun)
Le grand écran, Alphonse Ntep, Cameroun, 2021, 23 minutes.
Le cinéma africain existe. On peut le rencontrer – et l’admirer- en Afrique centrale, et plus particulièrement au Cameroun, où il est en passe de devenir un des premiers de tout le continent africain.
Cela bien sûr grâce aux cinéastes qui travaille là, mais aussi grâce à un festival annuel, Ecrans noirs, qui en vient, peu à peu, à concurrencer le célèbre Fespaco de Ouagadougou.
Le film que consacre Alphonse Ntep à cette cinématographie vise bien sûr à en faire la promotion, mais c’est aussi – et surtout- un vibrant hommage au cinéma dans son ensemble et un acte de foi dans sa capacité à jouer un rôle fondamental dans le développement du pays. Au niveau culturel bien sûr, mais aussi au niveau économique et social.
Ntep donne donc la parole aux principaux acteurs du domaine, le délégué général de l’association Ecrans noirs, Bassek Ba Kobhio , une historienne du cinéma, Marie Nadège Tsogo Momo, ou un réalisateur, Jean marc Anda. Tous insistent sur la portée que peut avoir le cinéma en Afrique. Au Cameroun, le cinéma demande qu’à se développer.
Pour cela, il est indispensable de ne pas douter de son pouvoir de transformation sociale et de ne pas en rester à une conception qui le réduit à n’être qu’un divertissement et donc un luxe réservé à une élite.
L’atout principal que le Cameroun peut offrir à l’avenir du cinéma, c’est l’existence d’un centre de formation permettant aux jeunes d’acquérir les compétences nécessaires à une carrière professionnelle.
Appuyé sur des extraits de films existants ou des images de leur tournage, ce Grand Ecran, devrait fortement contribuer à la connaissance du cinéma africain, et à la reconnaissance de son importance grandissante. Espérons qu’il puisse être diffusé largement en Europe.
Marguerite Duras, l’écriture et la vie. Lise Baron, 2021, 61 minutes.
Les identités de Mona Ozouf. Catherine Bernstein, 2020, 52 minutes.
Deux femmes d’excellence, qui laissent leur empreinte dans leur discipline respective : la littérature et le cinéma d’un côté ; l’histoire et la philosophie de l’autre. Deux femmes pourtant que rien ne rapproche, ou pas grand-chose. Deux femmes dont les chemins ne se sont pas croisés. Deux femmes si différentes dans leur personnalité qu’il ne peut être question de rien d’autre que de montrer leurs différences. Les opposer donc, mais c’est bien trop facile. L’enfance en Indochine versus l’enfance en Bretagne par exemple. Mais ce petit jeu des oppositions ne peut être que stérile. Au mieux – ou au pire – un étalage d’érudition.
Si la confrontation peut avoir quelque fertilité, c’est plutôt du côté du cinéma qu’il faut se tourner.
Deux films portrait donc, qui peuvent résulter du même type de projet. Faire le portrait d’une femme célèbre, dire tout – ou le plus de chose possible – de leur vie, en partant de leur enfance et de leur famille. Eclairer leur œuvre par leur personnalité. Donc mieux les connaître. Dire d’elles ce que les médias -ou l’opinion publique – ne dit pas. Aller dans leur intimité profonde, au-delà des apparences.
Un même projet cinématographique, mais qui, à l’évidence, ne peut pas être mis en œuvre de façon identique. L’une est disparue depuis bien des années ; l’autre est bien présente face à la caméra.
Le film de Catherine Bernstein est au fond un autoportrait, même si Mona Ozouf n’en assure pas la réalisation. Mais elle occupe l’image du début à la fin. Elle apparaît à l’image presque toujours dans le même cadrage. Et elle parle. Un monologue où la cinéaste n’intervient oralement qu’en une ou deux rares occasions. Pourtant la philosophe ne se parle pas à elle-même. Elle s’adresse bien à des interlocuteurs potentiels. La réalisatrice ajoute même des séquences où la parole de Mona Ozouf est enregistrée et diffusée en off. Des passages où la philosophe veut visiblement exprimer sa pensée avec le plus de rigueur et de précision possible. Du coup, le film peut être considéré comme un bilan. Le bilan d’une œuvre et d’une vie. Ce qui reste au fond particulièrement paradoxal. Dans l’incipit du film, Mona Ozouf dit sa réticence à être filmée, son hésitation à accepter le projet de la cinéaste. Et pourtant, elle joue le jeu avec une grande sincérité et beaucoup e spontanéité. Preuve que la cinéaste a gagné sa confiance. Et réussit à transcender la présence actuelle en éternité. Dans le film, Mona Osouf est immortalisée.
Immortelle, Duras l’est aussi, bien évidemment. Mais elle n’avait pas besoin du film de pour accéder à l’éternité.
Dans le film, la présence de Duras n’est possible que par l’intermédiaire des archives – médiatiques en l’occurrence – ou de la mémoire de celles et ceux qui l’ont connue et fréquentée. Bien sûr la cinéaste a opéré des choix pour ne retenir que ce qui lui permet d’appuyer son propos. Car bien sûr, elle a une idée derrière la tête, et elle va construire son film en fonction de cette idée. Du coup, son film n’a rien de l’autoportrait. Nous ne pouvons alors approcher Duras qu’à travers l’image que nous en donne une cinéaste à partir des traces que l’écrivaine a laissé d’elle dans les médias. Ce qui ne veut pas dire que cette image soit nécessairement fausse. Mais de toute façon parler de vérité ici n’aurait pas non plus de sens.
Paradoxalement, la parole de Mona Ozouf n’est en aucune façon une confession, alors qu’il y a dans le film sur Duras des moments où elle se « confesse », à propos principalement de son addiction à l’alcool. La cinéaste donne d’ailleurs une place privilégiée dans son film à ces moments relativement pénibles à écouter. On est très loin de la simplicité avec laquelle Mona Ozouf parle d’elle-même. Mais à propos de Duras, le terme simplicité n’a pas de sens. Ce qui ne veut pas dire que la pensée d’Ozouf manque de profondeur. Bien au contraire, sa vision de la Révolution française est des plus subtile. Seulement, si sa pensée est si facilement accessible, c’est tout autant grâce au filmage de Catherine Bernstein qu’aux vertus de l’expression de la philosophe.
Sans archive – à l’exception de quelques photos présentées par l’intéressée elle-même – sans l’intervention de proches ou de témoins, Catherine Bernstein nous propose un autoportrait de Mona Ozouf d’une fraicheur et d’une vitalité telles que c’est bien un dialogue qui s’établit avec les spectateurs. Moments rares de compréhension et donc d’échange.
Les éléments de sa biographie peuvent se retrouver éparpillés dans ses films, en particulier dans ses documentaires où, très souvent présent à l’image, il n’hésite pas à s’impliquer personnellement, même lorsque les sujets abordés ont une portée bien plus globale, sociale ou historique. Amos Gitai est le fils d’un architecte d’origine polonaise, formé au célèbre Bauhaus, chassé d’Allemagne par les nazis et immigré en Palestine avant même la création d’Israël où il deviendra un architecte célèbre, quasi officiel. Amos est né à Haïfa en 1950. Il entreprendra lui-aussi des études d’architecte. En 1973, il participe à la guerre du Kippour. Son hélicoptère est abattu au dessus du Golan le jour anniversaire de ses 23 ans. Suite d’événements dont on retrouvera la trace dans ses films et qui influenceront profondément sa vie. Il quitte l’architecture pour s’orienter vers le cinéma et deviendra le premier cinéaste israélien à obtenir une reconnaissance internationale, au point d’être considéré comme le phare du cinéma du Moyen Orient dans son ensemble.
Il est vrai que son œuvre est quantitativement très importance et qualitativement particulièrement diversifiée. Plus de 80 films au total dont bon nombre de documentaires, allant de quelques minutes à des longs métrages plus classiques. Gitai tourne beaucoup et beaucoup de ses réalisations, surtout les plus courtes, ne se présentent pas comme des œuvres achevées. Ce ne sont pourtant pas de simples brouillons. Disons plutôt des expérimentations. Il multiplie d’ailleurs les formats utilisés, passant du 35 mm au 16 et même au super 8, sans écarter non plus la vidéo. En Israël, dans l’ensemble de la Palestine, puis à partir de moment où il se voit contraint à l’exil, dans le monde entier, Gitai se veut un observateur curieux, mais aucunement dogmatique, ne cherchant pas l’originalité pour l’originalité mais ne restant jamais prisonnier des idées reçues ou des thèses officielles.
Regards sur Israël et la Palestine.
Dans ses longs métrages documentaires, Gitai aborde de front la situation politique d’Israël et de l’ensemble de la Palestine. Un regard engagé qui lui valut les foudres de la censure : la télévision israélienne par exemple refusa de diffuser son premier film La Maison, malgré le fait qu’elle en soit la productrice. Gitai le signale dans un panneau apparaissant au début de son film. Cela se renouvellera à propos de l’Arène du meurtre réalisé à propos de l’assassinat du premier ministre Yitzhak Rabin en 1996. Il y a des sujets tabous en Israël. La réalité de la vie dans les « territoires occupés », le sort réservé aux arabes, leur exploitation économique. Plus encore les spoliations dont ils sont victimes, expropriations de leur terre, de leurs champs, de leurs oliviers, souvent seuls moyens de subsistance. Des thèmes que l’on retrouvera dans des films réalisés par des cinéastes palestiniens (Ana Falastine ou Cinq caméras brisées par exemple), mais que Gitai est le premier israélien à aborder ouvertement.
Filmer son pays, avec tous les problèmes que son existence et la politique menée par ses dirigeants soulèvent, devient un véritable combat pour Gitai, combat face aux autorités bien sûr, mais aussi face à la tentation de fermer les yeux de tant de ses compatriotes ou même du monde entier. Filmer quelque soit la difficulté, les obstacles, le danger. Filmer même lorsque les soldats viennent sans arrêt bousculer le caméraman et mettre la main devant l’objectif, comme on le voit dans de multiples plans de Journal de campagne (1982). Filmer même lorsque la violence la plus aveugle semble triompher à travers l’assassinat par un jeune juif extrémiste du premier ministre Ytzhak Rabin. Le film que Gitai réalise alors, L’Arène du meurtre (1996) dit dans sa construction même le sentiment de chaos que cet événement a pu engendrer chez tous ceux qui voulaient croire à la possibilité de la paix.
Les relations entre juifs et palestiniens, c’est dans la durée, au niveau de l’évolution historique, que Gitai essaie aussi de la saisir. A la recherche des marques que le temps imprime sur les hommes et leurs habitations, il reviendra en 1998 (Une maison à Jérusalem) sur les lieux de son premier film, retrouvant les descendants du premier propriétaire. Le fait qu’ils aient émigré au Canada. Ce retour sur les lieux d’un film devient le centre du projet cinématographique avec la trilogie de Wadi. Le premier film, Wadi 1981 – 1991, permet déjà de mesurer les transformations que subit la vie des habitants de cette sorte d’enclave à Haïfa, pratiquement coupée du reste de la ville. En 1981, Gitaï centrait son film sur trois couples, un couple arabe (Yussuf et Isha), deux frères juifs venus de Roumanie et un couple mixte Skander le pécheur et Myriam). En 1991, Yussuf a une nouvelle femme plus jeune dont il a un petit garçon. Sa vie est toujours marquée par la misère, surtout matérielle. Les deux frères sont morts et le couple de Myriam et Skander a volé en éclats sous la pression des « amis » pour qui la mixité du couple se réduit à une trahison. En 2001, Gitai revient à Wadi (Wadi Grand Canyon). Il retrouve Yussuf, plus vieux et plus usé, et Myriam qui a quitté son ancienne maison et Wadi. Partage-t-elle encore ses anciennes visions quasi mystiques sur la nature électrique de l’amour ? Le temps laisse son empreinte sur toute chose. A Wadi, il semble surtout détruire tout espoir.
Mais Gitai est aussi un cinéaste qui aborde des problèmes tout autant économiques, qu’historiques et politiques. Avec une vision planétaire anticipant sur la mondialisation actuelle. Dans Ananas (1983) il part de la découverte du fruit pas Christophe Colomb pour montrer comment il a envahit le monde entier à partir de sa mise en boite. Le film suit l’ananas d’Hawaï aux Philippines. Il donne la parole aux dirigeants des grandes entreprises multinationales américaines, mais aussi aux ouvriers agricoles qui plantent des dizaines de milliers de pieds par jour ou aux femmes qui travaillent en usine pour gagner de quoi survivre. Opposant la richesse des uns et la misère des autres, Gitai prend ouvertement parti pour les plus démunis. Le film comporte des plans saisissants sur la récolte des fruits et les gestes répétitifs dans la chaîne de mise en boite. De longs travellings dans les usines, en plan général ou en gros plan sur les mains des femmes triant les fruits qui défilent sur un tapis devant elles, montrent la réalité du travail à la chaîne comme le cinéma l’a si rarement montré. Le film de Gitai est à ce niveau un modèle du genre. Cette vision de la mondialisation est aussi au cœur du film qu’il consacre en 1984 au commerce du sexe en Thaïlande (Bankok Barheim), commerce qui se double d’un commerce de travailleurs et travailleuses expédiés comme de quasi esclaves dans les pays riches du golfe persique.
Ayant quitté Israël, Gitai sillonne le monde, de l’Asie à l’Amérique en passant par l’Europe. En Europe il s’intéresse aux manifestations d’un néo-nazisme en plein développement. Dans la vallée de la Wupper (1993), enquête sur le meurtre d’un vieil homme par deux skinheads d’extrême droite. La victime s’était prétendue d’origine juive. En Italie, il suit les élections municipales à Naples où une petite fille de Mussolini est candidate (In the name of the Duce, 1994). Dans les deux cas, il confronte les déclarations des communautés juives locales avec les positions exprimées par les sympathisants ou même les militants néo-nazis. Aux Etats Unis, Gitai part sur les traces de la diaspora juive, In Search of Identity (1980), dont il nous donne une vision pluraliste et contrastée, entre ceux qui rêvent d’aller s’installer en Israël, ceux qui collectent des fonds pour soutenir l’Etat juif, et ceux qui préfèrent s’affirmer comme américains avant tout.
Tout au long de cette très riche carrière de cinéaste documentariste, Amos Gitaï s’est toujours montré attentif aux réalités humaines, telles que l’Histoire les façonne et les modifie sans cesse. Et ce n’est pas un hasard s’il apparaît si souvent directement dans ses films, au point d’être souvent pris à parti par ceux que sa caméra dérange, surtout les représentants de l’autorité, policière ou militaire. Quant au dialogue avec ses interlocuteurs, il s’y implique toujours explicitement. « Et toi Amos, qu’est-ce que tu penses de tout ça » S’il ne répond pas directement, l’ensemble de son cinéma ne laisse pas de doute sur ses convictions.
Lullaby to my father. Amos Gitaï. France-Israel-Suisse, 2012, 82 minutes.
Amos Gitaï, comme beaucoup de cinéastes documentaristes, s’implique personnellement dans ses documentaires, par sa présence à l’écran notamment. Dans Lullaby to my father, qui est comme son titre l’indique un film basé sur des données autobiographiques, il n’apparaît cependant pas à l’image et l’ensemble du film donne l’impression de pouvoir être fait par tout autre cinéaste que le fils du père dont il est question. Cette distanciation extrême est sans doute due au fait que le père disparu depuis quelques années au moment de la réalisation du film, ne peut qu’être absent des images – à moins d’utiliser des archives, ce que Gitai a explicitement refusé de faire ici. Père absent, Fils absent ? La mère, elle, sera « jouée » une actrice et les textes du père seront aussi lus par le cinéaste lui-même.
Le père est absent visuellement, mais il occupe tout le film, ce qui donne aussi à lire, en creux, le rapport père-fils. Ce rapport n’est cependant pas abordé dans sa dimension familiale. Il s’inscrit clairement dans une dimension qui dépasse le cadre de la famille, une dimension à la fois professionnelle et historique.
C’est là la grande originalité du film. Sa difficulté d’approche aussi. Le père du cinéaste, Munio, est présenté à travers un parcours qui n’a de sens que parce qu’il s’inscrit dans l’histoire de l’Europe du XX° siècle. De la Pologne natale avant guerre, jusqu’à Israël avant même la création de L’État juif, en passant par l’expulsion de l’Allemagne et l’exil en Suisse, c’est le sort de juifs qui ont échappé à l’holocauste qui est ici retracé. Le deuxième volet du personnage de Munio concerne l’architecture. Élève du Bauhaus avant guerre, toute son activité professionnelle et artistique se déroulera dans le cadre de cette formation. La référence au Bauhaus est d’ailleurs omniprésente dans le film.
Lullaby to my father utilise des photos comme images d’époque. Il filme Dessau aujourd’hui pour y retrouver la trace du Bauhaus. Il met en scène, avec des acteurs, des scènes théâtrales qui, par leur côté non documentaire au sens habituel du terme, et même extrêmement fictionnelle, vont au-delà de la fiction pour atteindre à une valeur de document. La séquence du jugement de Munio est à cet égard exemplaire. Elle a bien une dimension documentaire à travers la lecture du texte des chefs d’accusation : trahison envers le peuple. Mais le jeu du juge, sa diction outrancière, les coups de marteau dont il jalonne son discours n’ont rien de réalistes. On pourrait même dire qu’ils sont du mauvais théâtre, trop caricatural pour être crédible. Mais c’est justement dans ce trop que se déploie la dimension spécifiquement cinématographique du film. Nous ne sommes pas au théâtre, mais au cinéma. Nous ne sommes pas dans une représentation du réel, nous sommes dans une interprétation artistique de l’Histoire.
Hommage à son père, le film de Gitai est aussi un hommage au Bauhaus, dont il fait revivre en images les valeurs, ces valeurs humanistes que le nazisme a essayé de détruire. Dans le cinéma de Gitai elles sont bien vivantes.
Pêche Mon Petit Poney. Thomas Riera. France 2012, 40 minutes.
Comment un enfant de six ans peut-il réagir lorsqu’il reçoit en cadeau d’anniversaire un petit poney ? Et surtout, quelles réactions peut-il avoir lorsque, devenu un jeune adulte, il découvre, ce qui ne lui était jamais venu à l’esprit, que ce jouet a toujours été considéré comme un jouet de fille ? Devenu cinéaste, il entreprend alors une enquête très personnelle pour comprendre, ou essayer d’expliquer, la place particulière que ce jouet de fille a tenu dans son enfance et même son adolescence de garçon. Un film entièrement autobiographique donc, où l’auteur se met lui-même en scène devant la caméra, une enquête intime en même temps qu’une réflexion sur la question du genre, une quête d’identité qui débouchera sur l’affirmation, ou la prise de conscience de son homosexualité. Un film complexe donc, mais dominé de bout en bout par un humour bon enfant, qui ne fait pas rire aux éclats, mais qui est toujours attendrissant.
L’enquête que mène le cinéaste permet quelques découvertes, ménage de petites surprises mais au fond n’apporte pas de véritable révélation. En ce qui concerne le problème du genre, la question est réglée très vite. Dans un magasin de jouet, la vendeuse, spécialiste de la question, est catégorique. Il n’existe pas de petit poney destiné aux garçons. Pour le cinéaste, l’enjeu de sa recherche devient subitement clair : qui donc a bien pu lui faire ce cadeau qui reste surprenant. Le film apportera une réponse dans une séquence qui est apparait comme la raison d’être du film. Ce sont bien les parents de Thomas qui ont fait le cadeau, la preuve en étant apportée par la mention du prix et de la date de l’achat dans le livre de compte du père. Leur motivation ? La révolte, dit la mère, la non-acceptation des stéréotypes culturels concernant le genre. Pourquoi un garçon n’aurait-il pas le droit de jouer au petit poney ? Certes, ce garçon gardera ce jouet féminin pour lui tout seul, ne l’incluant pas dans ses relations avec ses camarades. Mais la déclaration de la mère doit être comprise dans toute sa portée éducative : puisque ce jouet est essentiellement féminin dans les représentations courantes, il est important de l’offrir à un garçon.
Pour le reste, l’enquête connait quelques épisodes savoureux. Le cinéaste découvre une version animée pour la télévision de Petit Poney. Il ne doit pas être très difficile de retrouver le petit garçon qui interprète la chanson du générique. Et en effet la chorale dont il faisait partie existe encore. Sauf, oh surprise, que l’interprète en question n’est pas un garçon, mais une fille ! Le cinéaste a été abusé par les cheveux courts et surtout par son identification symbolique avec la vedette télévisée de son idole. Nous découvrons ensuite une collectionneuse possédant dans ses placards bien rangés un nombre impressionnant de petit poney de tous formats, de toutes couleurs et de toutes origines. Qui aurait pu imaginer une telle passion pour un jouet en plastique aussi banal ? Dernière étape de l’enquête, la recherche de la petite boite en métal que le cinéaste a enterré jadis avec un marron devenu aujourd’hui un arbre. La boite en question demeurera introuvable. Elle contenant de petits messages qui pourraient révéler l’intimité entre le garçon et son jouet devenu son confident. Cette intimité restera enfouie dans le passé.
Tous au Larzac. Christian Rouaud. France, 2011, 118 minutes.
Le mouvement de protestation contre l’extension du camp militaire du Larzac reste quelques trente ans après son épilogue un mouvement exemplaire. D’abord parce qu’il fut enfin, après des années et des années de lutte, plus d’une dizaine en fait, couronné de succès, en grande partie grâce à la persévérance de ses acteurs initiaux, les habitants du Larzac eux-mêmes. Mais aussi parce qu’il a su, sur cette durée au fond anormale – ou du moins atypique – se renouveler au fil des difficultés et des obstacles rencontrés, pour devenir un creuset particulièrement inventif dans le domaine de la pensée et de l’action contestatrice ainsi qu’une expérimentation constante de nouvelles formes de vie en société.
Rappeler l’histoire de ce mouvement à la fin de la première décennie du XXI° siècle ne peut guère être perçu comme un acte de courage politique. Ce n’est pas non plus en soi le signe d’une audace cinématographique. Pourtant un tel projet ne va pas immédiatement de soi. Certes il peut se réclamer d’une visée historique dans laquelle le cinéma, par son travail sur les archives, a depuis longtemps gagné sa légitimité. Mais peut-on considérer un tel film uniquement comme un film historique ? N’a-t-il pas aussi une dimension politique et sociale actuelle ? Du coup, un tel film, comme beaucoup de ceux qui abordent les luttes sociales récentes, ne peut échapper au difficile problème des rapports entre histoire et actualité. Y a-t-il des leçons à tirer de l’histoire Le passé peut-il éclairer le présent ? Le mouvement concernant le Larzac peut-il servir de référence, éclairer voire orienter, un mouvement comme celui qui s’est développé à Notre Dame des Landes ?
Le Larzac, qu’est-ce que c’est ? Un vaste plateau situé en Aveyron, aride et en voie de désertification, mais encore peuplé par quelques paysans éleveurs de brebis. En 1971, le ministre de la Défense de l’époque, décide d’exproprier une bonne partie de ces paysans pour étendre la superficie d’un camp militaire existant. Ces paysans particulièrement attachés à leur terre, surtout ceux qui y ont toujours vécu, mais aussi ceux qui étaient alors plus récemment installé n’acceptent pas une telle décision venue d’en haut sans aucune concertation et entrent en « résistance ». Ils seront très vite rejoints par tous les contestataires de l’époque, maoïstes ou appartenant à d’autres groupuscules vivant encore dans l’esprit de mai 68. Ce qui pouvant alors apparaître comme une alliance contre nature déboucha en fait très vite sur un consensus fondé sur l’action non violente. Les manifestations se succédèrent, A Millau, Rodez, puis Paris où les brebis occupant le Champ de Mars firent grande impression ! Des comités Larzac furent créés un peu partout en France et le slogan Gardarem lo Larzac réussit à fédérer tout ce que la France de l’époque pouvait compter d’opposant au pouvoir, bien au-delà des contestataires ou « révolutionnaires » post-68. Et cela dura dix bonnes années, jusqu’à ce que l’élection de Mitterrand et l’arrivée au pouvoir de la gauche annonce l’annulation des textes créant le nouveau camp militaire et permit la fin des hostilités.
Le film de Christian Rouaud reprend la formule qu’il avait déjà exploitée à propos du conflit Lip : l’alternance et le savant montage des images d’archives issues des actualités de l’époque et des entretiens réalisés plus de trente ans après les événements avec leurs protagonistes directs, du moins ceux qui ont survécu au temps, puisque Guy Tarlier, un des principaux meneurs de la lutte, est décédé au moment de la réalisation du film. Ceux-ci sont filmés sur les lieux même où les principales actions se sont déroulées ce qui confère un surcroit de crédibilité à leurs souvenirs.
