B COMME BARCELONE

En construcción, José Luis Guerin, Espagne, 2000, 125 mn.

Une ville, Barcelone. Un quartier, le Barrio Chino. Un quartier du centre-ville, un quartier populaire, un quartier pauvre. Un quartier qui intéresse les promoteurs immobiliers.

Le film de José Luis Guerin suit pendant plus de deux années une de ces opérations qui consiste à détruire de vieilles bâtisses insalubres et construire à leur place de nouveaux immeubles d’habitation d’un tout autre standing. Une transformation importante du paysage urbain, architectural et humain. Les anciens habitants sont obligés de partir. Les nouveaux arrivants appartiendront à une classe sociale plus élevée. Film sur une ville, En construcción est plus fondamentalement un film sur la vie urbaine, sur les évolutions radicales par lesquelles l’organisation sociale est brutalement bousculée. Que restera-t-il du Bario Chico dans quelques années ? Son âme peut-elle se perdre dans les tas de gravats des habitations détruites ?

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Malgré son titre, le film fait une place plus importante aux actions de démolition. Des ouvriers jettent par des ouvertures béantes des restes de meubles abandonnés par les habitants chassés. De gros engins s’attaquent aux murs. De lourdes masses réduisent en poussière les cloisons. Détruire pour reconstruire bien sûr. On a l’impression que les démolitions ne s’arrêtent jamais. Même quand le nouvel immeuble commence à prendre forme autrement que sur un plan. Pourtant, la ville a ses repères, immuables, l’église dont le clocher apparaît souvent en arrière-plan, les trois cheminées d’une ancienne usine et l’horloge géante utilisées tour à tour en plan de coupe. Les vieilles ruelles sont tout aussi indestructibles. Elles sont trop étroites pour laisser passer les bulldozers.

Toutes ces destructions ont un arrière-gout de mort. Le quartier est d’ailleurs construit sur un ancien cimetière remontant à l’antiquité romaine. En creusant de nouvelles fondations, les vestiges apparaissent. Une longue séquence du film est consacrée au travail minutieux d’archéologues mettant à jour un crâne et un squelette. Les habitants du quartier ne veulent pas louper ce spectacle. Guerin filme en plans fixes ces personnes âgées et ces enfants qui commentent les événements. La vie, la mort, le temps qui passe : une plongée dans une philosophie spontanée qui ne cherche pas à échapper à la banalité.

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Le Barrio Chico reste portant bien vivant. Les enfants jouent au foot et investissent le chantier dès que les ouvriers le quittent. Chacun vaque à ses occupations habituelles. Les hommes chantent dans les cafés. Les femmes font la cuisine. Guerin s’attarde sur quelques personnages, un vieux marin, un couple de jeunes paumés. Lui ne travaille pas et sombre dans la drogue. Pour subvenir à leur besoin la fille se prostitue. Leurs relations ne sont pas toujours idylliques. Mais ils connaissent aussi des moments de grande tendresse. Le film se termine sur une scène où plane tout le mystère de la vie. Filmée en travelling arrière, elle courre dans une rue typique du quartier en portant son ami sur son dos. Où vont-ils ? Ils vont devoir quitter le quartier puisque le squat où ils vivent va être détruit. Comme elle se fatigue, il la porte à son tour sur son dos. La séquence s’étire en longueur. Elle peut durer indéfiniment.

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Et puis, il y a les ouvriers engagés sur le chantier. Guerin les filme dans leur travail, couler du béton ou monter un mur de briques. Il saisit leurs conversations, les désaccords sur les horaires, leurs positions politiques ou syndicales. Il les filme dans des temps de pause, pendant leur casse-croute, où les propos sont plus personnels. Là aussi certains d’entre eux deviennent des personnages récurrents, comme ce marocain qui cherche à se faire embaucher et que l’on retrouvera à plusieurs reprises, le jour de la tempête de neige par exemple, ce qui est pour lui une vraie découverte. Le monde du travail s’intègre parfaitement à la vie du quartier. L’immeuble en construction est presque toujours filmé de l’intérieur des futures pièces. Il n’y a pas encore de fenêtres mais leur encadrement permet d’apercevoir en arrière-plan les maisons du quartier, les toits, les forêts d’antennes de télévision. D’autres cadrages ne proposent au contraire aucune profondeur de champ. La vue s’arrête sur les fenêtres ou les pièces des habitations d’en face qui semblent particulièrement proches. . Des relations peuvent alors s’ébaucher entre les ouvriers et les habitants. Une jeune femme étend du linge sur son balcon. L’ouvrier qui la regarde lui adresse la parole. Elle lui sourit, mais disparaît chez elle. A la fin du film, des acquéreurs éventuels visitent l’immeuble presque achevé. Ils s’inquiètent du voisinage, de la sécurisation de l’entrée. Un nouveau mode de vie s’annonce.

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En construcción est souvent présenté comme un bon exemple de mélange entre documentaire et fiction. Si la vie du quartier et celle du chantier sont filmées de façon classique comme un documentaire descriptif, la vie de ses habitants comporte indéniablement une dimension fictionnelle. Le jeune couple, en particulier, dont les moments de conflit, ou de tendresse, sont visiblement « interprétés », même si les deux personnages ne sont pas transformés en acteurs.

V COMME VIENNE

Vienne avant la nuit, Robert Bober, 2017, 1H20.

Les villes – les grandes villes, les capitales – ayant inspiré les cinéastes sont nombreuses, de Berlin (Berlin, symphonie d’une grande ville de Walter Ruttmann) à Rome (Rome désolée de Vincent Dieutre), de Nice (A propos de Nice, Jean Vigo) à Valparaiso (A Valparaiso, Joris Ivens), d’Amsterdam (Amsterdam, Global Village de Johan van der Keuken) à Buenos Aires (Avenue Rivadavia de Christine Seguezzi), sans oublier le Paris d’André Sauvage ou le Calcutta de Louis Malle, et bien d’autres bien sûr. Des portraits parcourant les sites les plus connus mais dévoilant aussi les quartiers moins touristiques. Des points de vue souvent très personnels, tant les cinéastes peuvent être sensibles à une atmosphère que le plus commun des visiteurs n’imaginerait même pas.  Avec Rober Bober, Vienne a son film, même s’il ne se limite vraiment pas à nous présenter la Vienne d’aujourd’hui.

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De Vienne, le film nous montre quand même les lieux ou les monuments les plus connus, le Prater et sa grande roue, Schönbrunn et son palais, les rue du centre avec le tram et les façades des immeubles, et aussi les cafés, les cafés surtout, où les habitués viennent lire la presse du jour. Mais nous faisons aussi des escapades dans d’autres cités, New York par exemple, où l’arrière-grand-père du cinéaste a essayé d’immigrer sans succès à partir de sa Pologne natale. Refoulé en Europe à son arrivée à Ellis Island, il finira par s’installer à Vienne où une bonne partie de sa famille viendra vivre, jusqu’à l’annexion de l’Autriche par le III° Reich.

Car le film de Bober est aussi un film en première personne, une recherche personnelle de cet arrière-grand-père qu’il n’a pas connu, Wolf Lieb Fränkel, et de sa pierre tombale – ce qui nous vaut de nombreuses visites de cimetières – mais aussi de l’histoire et de la destinée de cette famille juive qui fut en grande partie décimée par la barbarie nazie. Un film où le récit de cette histoire est fait en voix off. Un récit très littéraire, réactivant la mémoire de ces auteurs –  Stefan Zweig, Joseph Roth, Arthur Schnitzler – qui ont fait la renommée culturelle de la Vienne d’avant la nuit nazie.

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Le film fourmille de références, de citations, d’extraits de livres ou de lettres (de Kafka à Milena par exemple), nous donnant accès à l’atmosphère culturelle de l’époque, une culture juive que l’on sent encore bien vivante dans la pensée et les sentiments du cinéaste. Mais les images d’archives sont là aussi pour nous rappeler la nuit de cristal, les livres brulés et les synagogues détruites, et l’arrivée triomphale d’Hitler dans Vienne.

Le cinéma ne refait pas l’histoire et celle-ci ne se répète pas. Et pourtant, le film de Robert Bober prend une acuité toute particulière dans l’Autriche d’aujourd’hui.

A COMME AMSTERDAM

Amsterdam, global village Johan Van der Keuken, Pays-Bas, 1996, 245 mn

            Ce film est le portrait d’une ville. Mais cette ville n’est pas prise au hasard. C’est la ville du cinéaste, sa ville natale, celle qu’il connait le mieux, qu’il a toujours connue. Une ville dont il veut nous faire découvrir les secrets et nous faire partager ce sentiment d’admiration devant sa richesse et sa diversité qui imprègne chaque plan.

            Comment un cinéaste peut-il faire le portrait d’une ville, de sa ville ? En la filmant sous tous ses aspects, ses rues, ses monuments, l’ensemble de son espace. En filmant les gens aussi, ses habitants ou ceux qui ne sont que de passage ; ceux qui y ont toutes leurs racines ou ceux qui cherchent à y trouver leur place. Et puis son histoire aussi, à travers les habitudes des uns, les références des autres et les grandes manifestations qui rassemblent tout le monde. Mais faire le portrait d’une ville n’implique pas de se couper du reste du monde. Et lorsqu’on est un voyageur comme Johan Van der Keuken, les occasions ne manquent pas d’aller explorer d’autres contrées.

            Amsterdam est une ville d’eau. C’est du moins la première indication que nous en donne le film. Les premiers plans nous montrent les canaux, de longs travellings au raz de l’eau où se reflètent les ponts. La caméra se redresse parfois pour cadrer à travers le feuillage des arbres les belles demeures flamandes qui longent les quais. Une caméra qui prend son temps : le cinéaste n’est pas pressé (le film dure quatre heures). Cette ville doit être découverte avec patience, sans aucune précipitation. Il faut se laisser imprégner par son atmosphère.

            Amsterdam est une ville de fêtes, où ses habitants prennent un plaisir évident à faire la fête. Des fêtes traditionnelles comme la Saint-Nicolas et ses régates en costumes traditionnels ; le Jour de l’An, une occasion de plus de boire à la lumière des feux d’artifices et dans le vacarme des pétards ; le Jour de la reine et sa brocante géante. Mais aussi des fêtes simples comme celles qui fleurissent l’été dans les parcs. Le sens de la fête, ici, c’est le mélange de la tradition et de l’air du temps, la rencontre du local et du cosmopolite.

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            Amsterdam, c’est aussi une ville de rencontres. Des rencontres toutes différentes, à l’image de la diversité de la population de la ville. Des rencontres parfois anonymes, comme ce marchant de tissus africains et sa cliente, comme ce SDF croisé le matin à son réveil dans son duvet. Mais aussi de véritables contacts humains avec des habitants d’Amsterdam dont l’histoire personnelle est particulièrement riche de sens.

            Roberto est bolivien. Van der Keuken le suivra dans son voyage dans son pays où il rend visite à sa mère. Nous le découvrons au préalable accompagnant sa femme enceinte, lors d’une échographie à l’hôpital. Nous le retrouvons lors du premier bain donné au bébé après la naissance, un fils dont le père est fier. Le voyage en Bolivie, Roberto l’effectue seul et sa mère regrettera beaucoup de ne pas voir cet enfant et de pouvoir parler avec sa femme. Ce voyage, qui pourrait constituer à lui seul un film, commence par les vues impressionnantes, prises d’avion, sur les montagnes enneigées. Puis nous découvrons le village dans un paysage tout aussi magnifique. Mais c’est sur la dureté de la vie dans cette région isolée et éloignée de tout que le cinéaste s’attarde. La mère de Roberto a eu six garçons et six filles. Combien sont encore vivants ? Que sont-ils devenus ? Et Pourquoi Roberto est-il parti si loin ? Le visage plein de larmes de sa mère filmé en gros plan est particulièrement émouvant. Mais le retour de Roberto sur son lieu de naissance est aussi l’occasion d’une grande fête à laquelle sont venus participer tous les villages environnants, défilant en musique et dansant avec toute la population. Roberto fait un grand discours et distribue les cadeaux qu’il a apportés, des stylos et des cahiers pour les enfants et les adolescents.

Borz-Ali, lui, est tchétchène. Sa rencontre à Amsterdam se poursuivra aussi en Tchétchénie, où les traces de la guerre sont bien visibles Le génie du cinéaste, c’est ici de créer des ponts entre l’ici et l’ailleurs, de construire une vision de l’humanité qui échappe aux différences nationales. Le cinéma de van der Keuken ne connaît pas de frontière.

Hennie est une vieille dame juive qui retourne, en compagnie de son fils, dans l’appartement où son mari a été arrêté en 1942. Une façon pour le cinéaste d’inscrire le présent dans le passé douloureux de sa ville.

Le génie du cinéaste, c’est ici de créer des ponts entre l’ici et l’ailleurs, de construire une vision de l’humanité qui échappe aux différences nationales. Le cinéma de van der Keuken ne connaît pas de frontière.

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Nous suivons tout au long du film Khalid, coursier de profession, qui parcourt la ville sur sa « mob » pour livrer des pellicules à des laboratoires photographiques. D’origine marocaine, il évoque chez lui, en présence d’amis, sa vie d’immigré, le retour au pays avec ses parents au bout de 15 ans passés à Amsterdam, son service militaire dans le désert marocain et son retour dans sa ville d’adoption qui lui manquait tant. Au hasard de ses livraisons nous pouvons assister avec lui à une séance de pose photographique, que van der Keuken filme en connaisseur. Khalid, c’est le fil rouge du film, celui qui nous fait découvrir la ville au rythme trépidant de ses courses. Celui dont le regard est en fait celui du cinéaste.

Et puis, Amsterdam ne serait pas Amsterdam sans ses parties de foot à la télé ou dans les parcs, ses nuits de danse et de musique dans les boites, ses vendeurs de H dans les coffee shop, ses amoureux et ses amoureuses, ses vélos et toujours ses canaux, ses mouettes filmées comme dans Hitchcock. Il y a tout ça dans le film de van der Keuken. Tout ça et bien plus encore. Il est difficile d’évoquer tous les moments si divers qui composent ce film de près de quatre heures. Un film foisonnant de vie. « J’ai toujours pensé que la vie, c’est 777 histoires à la fois. », disait Bert Schierbeek que Van der Keuken aime à citer. Amsterdam, global village concrétise parfaitement cette maxime. Son cinéma n’en est que plus vivant.

 

I COMME INCIPIT (Louis Malle)

Place de la République de Louis Malle (1972)

La première séquence du film qui nous plonge aussitôt au cœur de l’objet du film et du projet du cinéaste.

Elle nous dit qu’il s’agit de filmer des gens, des passants, des anonymes, pris au hasard sur un trottoir, de les aborder directement et leur poser des questions. De commencer donc un dialogue, qui pourra très bien faire long feu, mais qui pourra aussi se développer, s’approfondir, enclencher une véritable rencontre.

Elle nous dit aussi comment ce projet sera réalisé, comment le cinéaste entend filmer, sans jamais se cacher ou  essayer de se dissimuler. Louis Malle sera donc très présent dans le film, comme les autres membres de son équipe. On verra souvent la caméra, un micro tenu à la main ou une perche et les techniciens, collaborateurs du cinéaste. Le film inclut donc le filmage du dispositif du micro-trottoir qui est utilisé, un dispositif qui n’a rien à voir avec la pratique de la caméra cachée. Il ne s’agit pas de voler des images. Et même si à l’époque de la réalisation du film le problème du droit à l’image personnelle ne se posait pas avec la même acuité qu’aujourd’hui, il est clair que pour un cinéaste filmer des personnes renvoie nécessairement à une déontologie, voire à une éthique. Et cela, cette première séquence le proclame clairement.

Donc nous sommes dans un lieu passant, un lieu urbain, une rue ou une place. La caméra est placée au cœur de la foule, des hommes et des femmes pressés, que nous n’avons guère le temps d’identifier, ou de reconnaître. Ils entrent dans le cadre pour en sortir presque instantanément. Car il ne s’agit pas d’un plan d’ensemble. Le cadre est particulièrement serré, au plus près des visages. Choix paradoxale pour nous donner l’impression de la foule. Ou alors il faudrait multiplier les plans, filmer cette foule sous des angles différents, pratiquer le montage rapide et ne proposer que des plans brefs. Ce n’est pas le choix de Malle. La sensation de  foule, c’est le mouvement dans le cadre qui la donne. Et la caméra qui elle-même n’est pas fixe mais bouge beaucoup.

Mais nous nous rendons bientôt compte qu’il y a un objectif précis à ce filmage qui n’est en fin de compte pas du tout laissé au hasard. Le premier élément distinct est le hurlement d’une sirène (ambulance ou police ?). Un son qui se dégage du brouhaha intense de la rue et qui semble introduire l’image, un gros plan sur un personnage, un homme en costume sombre, cravate et chapeau. Un  homme que l’on va suivre – et l’on voit effectivement la caméra qui le suit portée à l’épaule- et qui est donc filmé de dos. Il  marche au milieu de la foule et semble comme porté par elle. Il s’arrête pour traverser une rue à un passage piéton, semble hésiter à s’engager sur la chaussée, se glisse enfin entre les voitures  qui se sont arrêtées, reprend sa marche sur le trottoir.

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C’est à ce moment-là, que le cinéaste choisi de faire irruption dans l’image, d’aborder l’homme qui s’arrête de marcher puisqu’on lui adresse la parole. Pourtant il ne relève pas la tête vers son interlocuteur. Il fait répéter ce que celui-ci vient de dire. « Vous vous êtes aperçu  qu’on vous filme depuis un quart d’heure »? ». L’homme ne semble pas surpris. Non il n’a pas fait attention à la caméra. Malle (car c’est bien lui qui est ainsi présent dans son film) pose les premières questions. «  Vous êtes du quartier » ; « Etes-vous parisiens ». L’homme répond chaque fois par la négative. Un simple mot. Cette première rencontre n’est pas particulièrement fructueuse au niveau du discours. Mais cela fait aussi partie du projet du film.

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On peut alors passer au générique, sur d’autres images, des femmes et un enfant qui dialoguent entre elles en espagnol tout en marchant. Le film a débuté sans transition. En fait, il n’y a pas de générique au sens habituel du terme puisqu’il n’a rien d’écrit sur l’écran. Le générique de Place de la République est entièrement oral. C’est la voix de Malle qui énumère, en off, les membres de son équipe. Il n’en reste d’ailleurs pas à cette dimension banale puisqu’il précise le sens qu’il donne au film, la rencontre avec des parisiens et la présence du cinéaste qui assume pleinement son statut d’auteur.

« Nous avons tourné ce film en 10 jours sur quelques mètres de trottoir Place de la République. Le principe est simple. Caméra et micro bien en évidence nous sommes entrés en conversation avec des inconnus ».

Un incipit qui souligne de façon éclatante la modernité de Malle documentariste.

La série Incipit :

I COMME INCIPIT (Wang Bing) Les trois soeurs du Yunnan

I COMME INCIPIT (Vincent Dieutre) Rome désolée 

F COMME FORBACH

Retour à Forbach de Régis Sauder.

Retour à Forbach est un film enquête. Une enquête double en fait. Une enquête sur une ville, sur son histoire de ces 30 dernières années. Une ville sinistrée, une ville mourante, depuis la fermeture des mines de charbon. ET une enquête personnelle, où il y a une grande part d’autobiographie, même si l’auteur, le cinéaste, ne prend pas sa vie comme sujet du film, donnant plutôt à la ville cette place. Mais l’histoire de la ville n’a ici de sens que parce qu’elle est inscrite dans cette histoire personnelle. « J’ai quitté Forbach, mais Forbach ne m’a jamais quitté. »

La ville c’est donc Forbach, Moselle, Lorraine. Une ville qui a vécu du charbon. Qui a prospéré grâce au charbon. Des ressources minières qui ont enrichi certains des habitants de la ville. Mais pas tous. Le film rappelle ce qu’on aurait tendance à oublier, que ceux qui descendaient au fond des mines y gagnaient juste de quoi vivre, que pour certaines familles c’était la misère, c’est-à-dire qu’on ne mangeait pas toujours à sa faim, un jour sur deux le plus souvent. Mais la fermeture des mines a ouvert une période encore plus dure. Les plus riches sont partis. Ceux qui sont restés n’avaient pas d’autres lieux où aller. Des immigrés pour la plupart. Car bien sûr, la mine demandait beaucoup de main d’œuvre. Bon marché surtout. Alors on accueillait à bras ouvert les polonais, les italiens, et même les arabes. Aujourd’hui, une habitante de Forbach a l’impression de ne croiser dans les rues que « des femmes voilées et des barbus » comme elle dit. Aujourd’hui, dans le centre-ville, les commerces fermés sont les plus nombreux et il était facile de filmer en plans fixes les rideaux de fer baissés ou les devantures où les panneaux à louer sont là pour la forme. Personne n’achète ni ne prend le risque de louer. Aujourd’hui, la ville vote en majorité pour le Front National. Et cela est plus particulièrement une source d’inquiétude pour le cinéaste.

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Régis Sauder est donc né à Forbach. Il y a vécu sa jeunesse, l’école jusqu’au lycée. Il garde des souvenirs précis, comme ce passage à tabac par des « camarades » dans le gymnase du collège qu’il raconte en voix off. Aujourd’hui il filme cette ville qui a beaucoup changée depuis qu’il l’a quittée. La cité ouvrière où les mineurs étaient logés a été rasée. Et la maison familiale doit être vendue puisque les parents ne sont plus là. Le cinéaste filme aussi d’anciennes connaissances et ses anciens condisciples. Celle qui est devenue la directrice de l’école et qui souligne avec enthousiasme la nécessité et le pouvoir de l’éducation. Son ami magrébin,  dont la femme se voile alors que lui était plutôt contre. Lui, il reste à Forbach parce qu’il a un travail. Un travail qui lui permet quand même de nourrir sa famille, grâce aux primes. Et puis il filme cette photo où l’adolescent qu’il était regarde fixement l’objectif. Aujourd’hui il revient à Forbach, non pas pour se désoler sur le temps passé et la perte de la jeunesse. Le ton du film n’est pas à la nostalgie. Il revient et il s’interroge. Pourquoi a-t-il quitté Forbach dès qu’il a été en mesure de le faire. Et si ce retour le conduit à s’interroger sur sa vie, il ne peut pas en sortir indemne. Alors le film joue en quelque sorte le rôle d’exorcisme. Il lui faut filmer les rues de Forbach, les maisons délabrées et victimes des « dégradations minières ». Mais aussi les arbres, les prés, les cerises et les coquelicots. La nature qui reste verte au printemps et la neige qui tombe en hiver. Il lui faut filmer aussi les adolescents d’aujourd’hui, ceux qui n’ont pas connu le Forbach d’avant. Il lui faut aller boire une bière au bistrot  où la patronne est celle qui peut le mieux parler de ce qu’est devenue la ville. Il lui faut faire un film sur Forbach pour pouvoir la quitter à nouveau. Sans doute sans la possibilité d’un nouveau retour.

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S COMME SOLITUDE

Existence isolée (Du zi cun zai ; lone existence) de Sha Qing, Chine, 2017, 77 minutes.

Une ville quelque part en Chine. Peu importe où. Des messages en première personne qui s’inscrivent sur l’écran. Il y est question de la vie, du sens de la vie, pratiquement vide en dehors des quelques occupations quotidiennes qui tiennent de la routine. Une Chambre plusieurs fois montrée, vide ou avec la présence furtive de la silhouette d’un homme. Des images de la ville, des rues, des gens, les immeubles d’en face avec des fenêtres éclairées la nuit. Des images sans doute réalisées par l’homme, que nous pouvons alors considérer comme cinéaste. Des images qui, après coup, peuvent s’organiser en une série d’oppositions.

  • Moi / les autres.

C’est l’opposition fondatrice, celle autour de laquelle le film est construit. Mais le moi occupe une place bien restreinte dans les images. Les autres, ce sont les habitants des immeubles que l’on aperçoit chez eux à travers les fenêtres. Ce sont ces personnes âgées que nous croisons à plusieurs reprises, l’homme qui porte des seaux d’eau, celui qui lit, assis seul à une table sur une petite place très passante.  Mais c’est aussi la foule. Dans les rues. Des anonymes donc.

  • Ruelles presque vides / rues encombrées

Les ruelles sont souvent escarpées, glissantes quand elles sont enneigées, bordées de hauts murs de pierre. Il n’y a tout au plus que  quelques passants. Par contre dans les rues, nous retrouvons les images plus classiques de la Chine, l’encombrement des véhicules en tout genre, deux roues ou camions, et les passants souvent pressés, emmitouflés dans leur manteau pour se protéger du froid, sous la neige.

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  • Neige / pluie

Toute la première partie du film est filmée l’hiver, avec beaucoup de neige. Puis nous nous retrouvons ensuite au printemps, ou en été, avec de la pluie, mais aussi du soleil

  • Nuit / jour

Le film propose une alternance de séquences de nuit et de jour. Mais entre nuit et jour, qu’est-ce qui change ? En dehors de la lumière…

  • Couleurs / noir et blanc

Deux séquences en noir et blanc encadrent le film, qui lui est en couleur. Incipit, avant l’inscription du titre sur l’écran donc, et une sorte de postface, comme une clôture. Le film n’est-il au fond qu’une parenthèse ? Ou bien il est mis entre parenthèses.

  • Silence / vacarme

Beaucoup de plans sont silencieux, dans les ruelles, les plans de nuit des façades des immeubles, la chambre. Il n’y a pratiquement pas de dialogues (sauf quelques bribes de conversations téléphoniques…), ou bien ils sont indistincts, renvoyés à n’être qu’un bruit de fond, qui se perd souvent dans le vacarme des rues, dominé par les clacksons des véhicules.

  • Isolement / foule

« Existence isolée » dit le titre français. Certaines rues sont surpeuplées où personne ne rencontre personne. Il y a bien deux ou trois plans de couples, des amoureux, dans une barque sur le lac ou sous un parapluie. Mais dans la foule on reste seul.

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  • Quotidien / fête

Le film se termine sur une fête, filmée la nuit, avec feu d’artifice. Une animation supplémentaire. Mais pour la plupart du temps, on en reste au quotidien, la routine, répétitive, comme il se doit.

  • Dedans /dehors

Le seul intérieur du film c’est cette chambre, pratiquement pas éclairée, la seule lumière venant d’une lampe allumée uniquement quelques secondes, comme si c’était une erreur. Il y a bien une fenêtre qui elle est lumineuse, mais l’extérieur est masquée par un rideau. Reste la télévision, qui n’est pas toujours allumée. Et la nuit, les plans sur les immeubles, vus en légère plongée. Le voyeurisme est-il la seule manière de rompre la solitude ?

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Cinéma du réel 2017, compétition internationale, premiers films.

 

B COMME BEYROUTH

Enfants de Beyrouth de Sarah Srage

Beyrouth est une ville martyrisée, envahie par les mines, détruites par les guerres – la guerre civile et l’invasion de l’armée israélienne. Pourtant, cette ville ne demande qu’à vivre. Il faut donc la reconstruire pour qu’elle survive. Une entreprise longue et difficile à mener à bien.

Le père de la cinéaste fit partie de ces hauts fonctionnaires chargés de concevoir et de superviser la reconstruction de Beyrouth. C’est lui que nous allons donc suivre dans l’exploration de la ville en partie reconstruite. Une occasion de visiter ses différents quartiers. Et aussi de rencontrer ces habitants qui ont survécus à la guerre et qui sont tous des amoureux de la ville.

Le film nous conduit sans plan organisé dans cette ville si diverse. Du centre historique nous passons aux quartiers inconnus des touristes. Nous longeons souvent la mer. Et nous comprenons qu’il s’agit avant tout pour la cinéaste de retrouver son passé – ou du moins un petit goût de son passé, de son enfance. Un monde et un temps qui semblent bien lointain, à jamais disparus. Elle assiste en simple spectatrice à la naissance d’un nouveau Beyrouth.

Le film est un hommage d’une fille à son père. Mais aussi un travail de mémoire. Effacer les traces, toutes les traces, des guerres passées n’est pas possible. Mais il faut croire à la possibilité de la paix.

Cinéma du réel 2017, compétition internationale premiers films.

A COMME ALGER

Bienvenue à Madagascar de Franssou Prenant

Irons-nous à Madagascar ? Le titre du film nous en fait la promesse, ou du moins nous en offre la perspective. Nous attendons sa réalisation tout au long du film. Elle ne sera pas tenue. Mais ce n’est pas vraiment une déception. Nous pouvons très bien nous contenter de rester à Alger.

Le film se déroule donc entièrement à Alger. Et nous propose, en plus des images de la ville, une histoire de l’Algérie récente, depuis la guerre de libération et l’accession à l’indépendance, jusqu’à aujourd’hui, en passant par les années de plomb et le terrorisme islamiste.

La caractéristique principale du film, c’est la façon dont il pratique la dissociation systématique de l’image et du son. Deux composantes réellement autonomes, malgré quelques points de rencontre, très peu nombreux en fait. D’un côté un ensemble d’images de la ville, Alger tout en splendeur. De l’autre un ensemble de dialogues, parfois des fragments de monologue ou déclarations plus privées, et quelques relativement rares interventions musicales. Mais le tout forme quand même une parfaite unité, un film en non pas deux. Un film qui sait simplement multiplier le plaisir spéculaire par deux.

La bande son propose donc un ensemble polyphonique, des voix qui par instant se superposent, des voix féminines et masculines, jeunes ou de tonalités plus mûres, des voix qui peuvent être gaies ou sérieuses, parfois simplement murmurées, parfois presque chantantes. Une bande son qui nous laisse imaginer des lieux de rencontres, des débats entre amis qui peuvent devenir enflammés, des conversations plus intimes, et même des bribes de confessions secrètes. Des voix toujours attachantes, parmi lesquelles se détache celle de la réalisatrice elle-même, que l’incipit du film nous a fait découvrir dans une déclaration en première personne fondatrice de sa démarche. Par la suite elle deviendra une composante du film comme les autres, les interventions  des uns et des autres n’étant aucunement hiérarchisées, même si certaines sont plus fréquentes, ou plus longues et donc plus marquantes pour l’auditeur. Mais toutes n’ont de sens que par l’ensemble dans lequel elles prennent place. S’il y a récit, ce n’est que dans cet effet de globalité.

Les images d’Alger se présentent comme un flux ininterrompu, passant des clichés convenus ou autres photos touristiques (les immeubles blancs du front de mer vus depuis un bateau) aux découvertes les plus surprenantes, les toits et les ruelles, et même le souk et les commerces ne nous donnent jamais l’impression de déjà vus. Bref, une visite de la ville dans sa totalité, dont il se dégage une grande chaleur et une grande vitalité même si les personnages sont rares. Une ville explorée, fouillée dans ses moindres recoins, où chacun peut privilégier ce qui va correspondre à la tonalité de ses sensations du moment. Une visite donc très sensuelle et très physique à quoi s’ajoute la dimension spirituelle apportée par les images d’archives. Et la diversité de la nature des images, du 8 mm au numérique, que la différence de grain laisse entrevoir, renforce cette dimension de pluralisme, que le foisonnement des voix permettait déjà d’appréhender. Une ville qui ne nous est pas proposée dans une vision unique qui ne pourrait être que restrictive.

Bienvenue donc dans cette ville plurielle, où le seul dénominateur commun à toutes les vues qui nous en sont proposées, reste sans doute la blancheur.

 

B COMME BOIS (Vincennes)

Le bois dont les rêves sont faits, film de Claire Simon

Le bois de Vincennes. On devrait dire peut-être plutôt la forêt de Vincennes. Vu son immensité. Et c’est bien l’impression que donne le film de Claire Simon. Un bois immense. Où l’on peut se perdre. Où on peut perdre ses repères. Ses repères de Parisien s’entend. Où donc on peut quitter la ville. L’oublier. Totalement. Et retrouver la nature. Ou du moins partir à sa recherche. Dans la cime des arbres. Surtout. Dans les bosquets, les buissons aussi. Où l’on peut de cacher. Etre caché. Loin de la furie de la ville. Même si parfois on est rattrapé par le bruit. Celui des avions du 14 juillet qui passent en rase-motte. Celui de la foule de ceux pour qui le bois est un lieu de promenade, surtout le week-end lorsqu’il fait beau. Un goût de vacances. Mais le bois est si vaste, si varié dans sa configuration, que l’on peut facilement s’isoler si on le souhaite. Retrouver une solitude salutaire. Même si ceux qui vivent dans la solitude ne l’on pas toujours librement choisie.

Claire Simon connaît bien le bois de Vincennes, qu’elle a dû parcourir de nombreuses fois avant même de se lancer dans le projet du film. Et lorsqu’elle l’explore caméra à l’épaule, elle devient immédiatement notre guide. De façon toute naturelle. Ce qui donne tout de suite un ton d’authenticité à ses commentaires. Des commentaires très personnels, avec des échappées poétiques. Des commentaires qui ne refusent pas un certain lyrisme. Qui le recherchent même parfois. Claire Simon connaît bien le bois. Son bois. Et elle aime s’y plonger. Elle aime suivre des transformations qu’impose le cycle des saisons. Et surtout, elle aime partir à la rencontre de ceux qui le fréquentent. Ses « habitants ». Car le bois est habité. Pas seulement par les oiseaux, les insectes ou autres animaux. C’est dire qu’il a une âme. Une âme multicolore. Polyphonique. Plurielle. Multiculturelle. Car le bois de Vincennes filmé par Claire Simon, c’est le bois de la diversité. Tout le contraire des parcs parisiens, où le dimanche matin, tout le monde court dans le même sens, au même rythme, avec la même tenue.

         Si Claire Simon aime le bois de Vincennes c’est aussi parce qu’elle aime y rencontrer toute sorte de gens, parler avec eux, leur poser des questions, dévoiler de la sorte un pan de leur vie. Il y a bien sûr des anonymes, ceux qui profitent du soleil dès le printemps, et qui envahissent les espaces verts. Ceux-là ne retiennent pas vraiment l’attention de la cinéaste. Elle préfère plutôt rencontrer des groupes constitués et pour qui le bois fait quasiment partie de leur communauté. Les cambodgiens par exemple, qui fêtent leur nouvel an. Ils sont venus en France pour fuir la terreur Khmer rouge. Des africains aussi qui grillent sur le charbon de bois poissons et poulet. Mais il y a surtout les solitaires. Ceux qu’il est beaucoup plus difficile de rencontrer et dont le contact est loin d’être immédiat. Mais Claire Simon est visiblement patiente. Et surtout ouverte à toutes les rencontres. Alors, cet homme – peut-on le qualifier de SDF ? – veut bien lui dévoiler la cabane qu’il habite dans un recoin bien caché du bois. Et même un voyeur exhibitionniste  n’a pas refusé la présence de la caméra.

Après la gare du nord, Claire Simon poursuit avec le bois de Vincennes son exploration des lieux parisiens qui peuvent avoir une dimension emblématique. Mais ne nous y trompons pas. Il ne s’agit pas d’un cinéma « parisien », ni d’un cinéma qu’on pourrait dire coloré de parisianisme. Car les rêves que peut susciter ce lieu bien réel ont tous les saveurs de l’universalité.

P COMME PARIS

Paris ville lumière, Paris ville musée. Le Paris d’aujourd’hui, celui d’hier (sous l’occupation ou pendant la guerre d’Algérie), le Paris éternel. Le Paris des quartiers où l’on vit comme dans un village. Celui de la foule anonyme. Le Paris de l’art, du luxe, des loisirs. Le Paris des SDF et de la misère. Le Paris de l’amour. Sans oublier la politique… Tous ces Paris, le cinéma documentaire nous les faits découvrir. Des films qui ne se contentent pas de raconter des histoires se passant à Paris. Des films qui révèlent l’âme de cette ville aux multiples facettes.

Tous ces films, classés ici par ordre alphabétique des titres,  sont présents dans le Dictionnaire du cinéma documentaire (Editions Vendémiaire)

Ainsi squattent-ils de Marie Maffre

L’occupation par les militants de Jeudi noir, collectif créé en 2006,  de deux immeubles parisiens, place des Vosges et avenue Matignon. Des immeubles inoccupés depuis de longues années, alors que le nombre de ceux qui sont à la rue, sans logement, est en constante augmentation. Des actions militantes qui se veulent exemplaires, dans  la distribution de tracts dans les rues ou dans l’aménagement des appartements occupés, ou dans la résistance aux forces de polices lors de l’inévitable expulsion.

 Amour rue de Lappe de Denis Gheerbrant

         Un bistro dans une rue populaire du 11° arrondissement, près de la bastille. Une vie de village où tout le monde se connait. Un réveillon où l’on danse sur les tables. Et l’évocation du Balejo où l’on passe des nuits entières à tourner la valse ou danser le rock.

Assassinat d’une modiste de Catherine Bernstein

         L’histoire d’une famille juive, à travers l’évocation d’un de ses membres, Odette Fanny Bernstein, dite Fanny Berger. Née en 1901 à Neuilly, dans une famille aisée, elle quittera ses parents à 23 ans et aura la hardiesse, non seulement de voler de ses propres ailes, mais surtout de fonder une entreprise artisanale. Modiste installée à Paris près des Champs Elysées (rue Balzac près du cinéma du même nom), elle deviendra riche et célèbre grâce à la création de chapeaux qui firent la mode avant-guerre et même au début de l’occupation.

Au bord du monde de Claus Drexel

         La nuit surtout, sous les ponts ou dans les couloirs du  métro, les « habitations » des SDF parisiens. Et en même temps, Paris la nuit, avec toutes ses lumières, avec ses monuments qui en font un musée. Mais un Paris vide, comme déserté par ses habitants. Il n’y a que des voitures, rien que des voitures qui filent le long de la Seine sans prêter la moindre attention à ceux qui dorment sous les ponts. Un Paris filmé en plans fixes, presque comme des cartes postales. Le contraste recherché avec la misère des SDF est évident.

Bonne-Nouvelle

         Un quartier de Paris allant des Grands Boulevards au Sentier, en passant par la station de métro éponyme et les portes Saint-Martin et Saint-Denis. Un quartier filmé pour lui-même, les rues les trottoirs, les boulevards, les entrées des immeubles, le plus souvent en plans fixes, mais aussi en longs travellings sur les bâtiments et les commences vus à hauteur de voitures, rideaux de fer baissés pour la plupart. Un quartier où l’on sent la présence de la drogue au fond des ruelles. Et le film se termine Place de la Bastille, un certain 10 Mai 2001, un orage terrible ! « Le monde d’avant allait bientôt vaciller ».

Carnet de notes sur vêtements et villes 

         Une rencontre entre un cinéaste allemand (Wim Wenders) et un couturier japonais, Yohji Yamamoto. Une rencontre aussi entre deux villes, Paris et Tokyo, deux métropoles qui, dans les images du film, ont tendance à se confondre. Pourtant pour le japonais, Paris vu depuis le dernier étage du Centre Pompidou a quelque chose d’unique, « un air qu’il n’y a nulle part ailleurs ».

Chats perchés de Chris Marker

           Paris peut être la ville de drôles d’explorations, comme partir à la recherche de chats jaunes et souriants, tagués un peu partout sur les murs de la capitale. Surprenantes découvertes pour qui sait lever les yeux vers les derniers étages des immeubles. Car ces chats sont toujours perchés bien haut. Dominant la ville, contemplant d’en haut sa vaine agitation, jetant sur les petites occupations de ses habitants un regard plein d’ironie et de moquerie. Mais la vie parisienne n’en finit pas de nous interroger. Dans les rues, le métro, la présence des SDF par exemple. Et puis l’actualité politique se rappelle très vite à nous, un certain 21 avril en particulier. Et Marker de retrouver son regard militant, aux côtés des manifestants, dans les cortèges protestataires, à l’école des slogans, attentif aux banderoles. Dans ce début de siècle et de millénaire, de quelle couleur est le fond de l’air ?

Chronique d’un été de Jean Rouch et Edgar Morin

         Un des premiers micros-trottoirs dans l’histoire des médias ? Les réactions des parisiens sollicitées par la question « Etes-vous heureux » sont des plus diverses : il y a ceux qui évitent la caméra, ceux qui ne veulent pas répondre, ceux qui profèrent des banalités. Il y a même un agent de police qui voudrait bien,  mais qui ne peut pas puisqu’il est en service !

         Et puis il y a l’évocation des camps de concentration par Marceline, ancienne déportée,  marchant place de la Concorde au milieu de la circulation, ce qui est particulièrement saisissant. De même, le long travelling sous la halle, où Marceline est laissée seule, de plus en plus éloignée de nous au fond de l’image, dans la profondeur de champ. Le Paris de l’émotion.

Daguerréotypes d’Agnès Varda

         Une rue dans le XIV° arrondissement. Une maison dans cette rue, celle de la cinéaste. Cette maison est le lieu où tous les voyages dans tous les coins du monde finissent toujours par aboutir, le lieu où il faut revenir, pour se poser, se reposer, se ressourcer. Mais un lieu où il faut continuer à faire du cinéma car pour Agnès, il n’est pas possible de vivre sans filmer. Partir de la rue Daguerre pour aller explorer le monde (de Cuba à l’île de Noirmoutier en passant pas Los Angeles). Revenir à la rue Daguerre pour, de là, comprendre le monde.

         Rue Daguerre (un des inventeurs de la photographie !) c’est la vie de village avec ses petits commerçants, le café du coin, les artisans boulangers ou bouchers, que l’on fréquente tous les jours. Une occasion de rencontres, d’échanges sur le quotidien, sur le temps qu’il fait, ou aussi au fil des années, du temps qui passe.

La Danse, le ballet de l’opéra de Paris de Frederick Wiseman.

         L’art de la danse, dans ces deux lieux emblématiques que sont le Palais Garnier et l’Opéra Bastille. Si nous visitons l’intérieur des bâtiments jusque dans leur moindre détail, les plans de coupe nous montrent les toits de Paris, vus depuis celui de l’Opéra Garnie. Un Paris vu de haut, lumineux, ensoleillé, dont émergent le Sacré Cœur, la tour Montparnasse ou le dôme des Invalides.

Géographie humaine de Claire Simon

         La gare du Nord à Paris. Une des plus grande gares du monde. La troisième, dit-on. Elle s’étale sur trois niveaux et accueille pratiquement tout ce qui peut rouler sur des rails, des trains les plus communs aux plus sophistiqués, TGV et autre Eurostar ; du métro au RER en passant par les trains de banlieues. Dans la gare, il y a ceux qui attendent, ceux qui marchent lentement, ceux qui courent pour ne pas rater leur train et ceux qui arrivent juste au moment où les portes se ferment. Il y en a qui téléphonent, qui prennent leur café ou mangent un sandwich. Quand les trains arrivent on entend leurs freins grincer. Quand ils partent une sonnerie retentit. Sur les quais, ceux qui ne partent pas font des gestes d’au revoir.

Hélène Berr. Une jeune fille dans Paris occupé de Jérôme Prieur

Le Paris de l’Occupation comme on l’a rarement vu. Par les images photographiques d’époque et surtout tous ces petits films amateurs, sans doute filmés par des Allemands, et qui comportent donc toujours un peu un point de vue touristique. Une promenade sur les quais de la Seine, un regard sur la Tour Effel, une vue sur un jardin depuis la fenêtre d’un appartement, des terrasses de café. Un Paris qui semble oublier la tragédie de la guerre. Mais les persécutions des juifs elles sont bien réelles.

Ici on noie les Algériens de Yasmina Adi

         Le Paris de la guerre d’Algérie. La Seine, en plein cœur de Paris, le soir du 17 octobre 1961 où  les forces de l’ordre répriment violemment une manifestation organisée par le FLN. Pour la deuxième fois consécutive, les Algériens de la région parisienne quitte leur banlieue pour se regrouper dans le centre de Paris, à l’Etoile, la Concorde, les Grands Boulevards, Saint Michel. Ils protestent contre la décision du gouvernement français d’imposer un couvre-feu aux arabes vivant en France, tous les soirs à partir de 20 heures. Les images d’actualité montrent parfaitement comment la police et les CRS sont intervenus pour empêcher la manifestation. Les Algériens sont arrêtés systématiquement à leur arrivée dans Paris et parqués sur des places, à l’Etoile ou à la Concorde. Ils seront ensuite enfermés au Palais des sports. Suites aux interrogatoires, certains seront embarqués à Orly à destination de l’Algérie.

Jaurès de Vincent Dieutre

         Des images prises depuis la fenêtre de l’appartement de Jaurès, la station de métro. Les rues, les voitures, les passants, le métro, un immeuble en face, et surtout le canal en contrebas. Sous la voute Lafayette, il y a un campement improvisé. Des réfugiés afghans trouvent là un espace un peu protégé du froid en hiver pour passer la nuit.

Une Jeunesse amoureuse de François Caillat

         Le Paris des premiers amours. Mais comment faire le récit cinématographique de ses amours de jeunesse quelques 30 ans après ? La solution est de filmer les lieux tels qu’ils sont aujourd’hui. Se dessine ainsi une géographie parisienne des amours, du pont de Bir-Hakeim à la place Gambetta, du jardin du Luxembourg au Marais. Les rues, les immeubles, les portes, les fenêtres des appartements. Les souvenirs. La Nostalgie. La rue des Rosiers devenue méconnaissable : « même le restaurant Goldenberg est fermé ».

Le Joli mai de Chris Marker et Pierre Lhomme

         Mai 1962, la paix retrouvée. Le pré-générique montre de magnifiques vues en plongée depuis la tour Eiffel. Pour le reste, on voit beaucoup d’embouteillages, beaucoup de taudis, de ruelles étroites, de bidonvilles dans la proche banlieue ou ces nouveaux grands ensembles tout neufs mais dont on sent déjà qu’ils ne sont pas des réussites architecturales. Le noir et blanc accentue la noirceur des monuments et le temps sombre et pluvieux de ce mois anormalement froid n’arrange pas les choses. Dans les entretiens apparaissent successivement à l’écran : un tailleur et un bougnat du quartier Mouffetard, deux architectes, une mère de famille nombreuse à Aubervilliers, deux jeunes commis de bourse, les invités d’un cocktail, un chauffeur de taxi peintre amateur , un inventeur à la foire de Paris, un couple d’amoureux, trois sœurs sans profession, des cheminots en grève, deux ingénieurs-conseils, un étudiant africain, une costumière de théâtre aux Champs Elysées, un prêtre-ouvrier devenu militant syndicaliste, un jeune ouvrier algérien ayant occupé un poste de responsabilité dans le FNL. Un tableau original des parisiens.

Le Masque de Johan Van der Keuken

         Eté 1989 à Paris, la célébration du bicentenaire de la Révolution française, avec ses feux d’artifice à la tout Effel, son défilé militaire aux champs Elysées, sa fête populaire à la Bastille et les publicités télévisées qui s’engouffrent dans ce contexte. Dans les rues de Paris, ou dans les gares la nuit, il y a des « sans domicile fixe ».  Une opposition systématique entre l’affirmation réitérée des droits de l’homme et du citoyen et l’exclusion des plus démunis et de ceux qui sont sans travail.

Paris de Raymond Depardon

         Les quais de la gare Saint-Lazare. De longs plans fixes de personnes pressées, entrevues un court instant quasiment en gros plan quand elles s’approchent de la caméra, mais ne la regardant jamais. L’arrivée d’un train déverse deux milles personnes sur le quai. Deux trains arrivant en même temps doublent ce chiffre, et ce flot humain s’écoule en quelques minutes… On dirait presque une image fixe, tant on a affaire au même plan, même si les personnes qui passent dans le cadre ne sont jamais les mêmes.

Paris à tout prix d’Yves Jeuland et Pascale Sauvage

         L’élection à la mairie de Paris en 2001 est bien plus qu’une bataille politique. C’est une véritable guerre où tous les coups sont permis, une guerre entre amis d’hier, un affrontement dont les vaincus auront du mal à se relever. Cette guerre, le film ne la situe pas dans l’opposition classique des deux camps traditionnels de la vie politique française. La guerre ici éclate au sein même de chaque camp, pour la désignation des candidats et commence donc bien avant la campagne officielle, deux ans avant l’élection en fait.

Place de la République de Louis Malle

         Le quartier République à Paris, autour de la place, est un quartier particulièrement animé, plutôt populaire, lieu de passage des Parisiens et des étrangers. On y rencontre toutes sortes de gens, des jeunes et des vieux, des travailleurs et des retraités, des personnes heureuses et d’autres pour qui les temps sont durs et qui n’hésitent pas à le dire. Tout le film se passe dans la rue, excepté le petit verre pris au café du coin avec une des rencontres, un guadeloupéen en l’occurrence.

Reporters de Raymond Depardon

         Les photographes de presse et autres paparazzi dans les rues de Paris. Il ne se passe pas toujours des choses extraordinaires, mais  il faut bien trouver l’occasion de faire quand même des images pour alimenter la demande grandissante de la presse magazine. Pour cela, il y a bien sûr les passages obligés, la routine, le conseil des ministres du mercredi dans la cour de l’Élysée, les visites chez les commençants du maire de Paris, Jacques Chirac. Il y a aussi la « planque » devant les hôtels de luxe, au cas où une star du showbiz serait de passage. Un aperçu du Paris « people ».

D comme Detroit

L’Amérique fait-elle encore rêver ? Peut-elle encore faire rêver ? A regarder l’histoire des grandes villes industrielles, de la grandeur industrielle de l’Amérique, de l’automobile à la sidérurgie, de Detroit à Braddock, on peut en douter. Et le cinéma documentaire de s’attacher à filmer la crise, ou plutôt, les effets de la crise sur les villes, sur ses habitants, c’est-à dire ceux qui sont restés parce qu’ils n’ont pas pu partir, comme d’autres, comme ceux qui avaient les moyens de le faire. Et en tout premier lieu, Detroit, ancienne capitale de l’automobile, le symbole de la puissance américaine, le fief d’Henri Ford et l’éclatante victoire du taylorisme. Pour un temps seulement !

Deux films consacrés à Detroit, parmi d’autres, se penchent sur l’avenir pas particulièrement rose, des villes industrielles américaines. City of Dreams. Detroit, une histoire américaine (2013) de Steve Faigenbaum et Detroit ville sauvage (2010) de Florent Tillon. Deux films qui nous montrent une ville quasiment anéantie. La caméra s’attarde sur les façades des immeubles aux vitres cassées et sur les herbes folles qui envahissent les jardins. Les plongées presque verticales réalisées depuis le sommet des buildings nous perdent dans le vide. Les longs travellings sur la succession des maisons abandonnées ne sont pas vraiment une promenade touristique. Florent Tillon filme même un groupe d’hommes, organisé et encadré, qui entreprend d’en détruire systématiquement certaines, pour se distraire, ou pour trouver un exutoire à leur douleur ou à leur colère.

La ville a pourtant beaucoup lutté pour se développer et éviter les affrontements communautaires, en vain. Les services sociaux de la mairie étaient particulièrement actifs. Les vieux quartiers insalubres ont été détruits et remplacés par des immeubles flambants neufs. Des autoroutes relient le centre et les banlieues. Mais est-ce suffisant ? En Pennsylvanie, Braddock,  filmée par Jean-Loïc Portron et Gabriella Kessler (Braddock. America, 2012) qui était autrefois fleurissante grâce aux hauts-fournaux et à l’acier, est maintenant quasi désertique. Une ville désertée par ses habitants, ceux du moins qui ont réussi à trouver du travail ailleurs. Les autres, ceux qui sont restés, se terrent chez eux. De toute façon, il n’y a plus de petits commerces pour faire ses courses, et pratiquement plus de café où retrouver ses camarades de travail. De toute façon, les anciens ouvriers au chômage n’ont plus suffisamment de revenus pour entreprendre quoi que ce soit.

 

Détroit, ce n’est pas toute l’Amérique. Pourtant son histoire reste significative de l’histoire de tout le pays. Les difficultés économiques ont bien sûr des répercussions sur toute la population. Les immigrés ont pu croire longtemps à la possibilité de réaliser le rêve américain. Pendant une grande partie du siècle, il suffisait de travailler dur. Le cinéma aujourd’hui ne peut qu’insister sur les problèmes raciaux, les émeutes, la violence, la peur qui s’est installée et qui subsiste.

 

L COMME LOGEMENT

Si je te donne un château, tu le prends ? de Marina Deak, France, 2015, 91 minutes.

« Un château ? Qu’est-ce que je ferais d’un château ? Un château c’est grand, c’est froid, on peut s’y perdre…Et qu’est-ce que ça coute en entretien ! Non vraiment, je suis très bien chez moi, dans mon appart, dans ma petite maison, dans ma chambre sous les toits…ou même dans ma caravane dans le camping du village. » Un discours qui  pourrait très bien figurer dans le film de Marina Deak Si je te donne un château, tu le prends ? Un film consacré à la question de l’habitat, ou plus exactement du logement, de notre de logement. Une question qui nous concerne tous.

         Marina Deak a construit son film en trois parties : le métier d’agent immobilier dans une agence de province, la rénovation d’un grand ensemble et les « habitants » d’un camping où ils résident dans des caravanes.

         La première partie porte un regard très professionnel sur la question du logement. On visite des appartements ou des maisons individuelles en écoutant la personne de l’agence en vanter les aspects positifs. Nous suivons les entretiens en agence où il faut expliciter l’objet de la recherche. On assiste à la signature des contrats, et ainsi de suite. Une entrée de plein pied dans une profession qui ne nous en dévoile pas les petits secrets ou les grands défauts. Un regard qui se veut neutre, sans jugement. Comme s’il était inévitable d’en passer par là pour se loger.

         La deuxième partie a une dimension plus sociale. Nous suivons l’avancée du projet de rénovation de la cité de « La Grande Borne », un projet qui concerne bien évidemment l’ensemble des habitants ». La Grande Borne avait été réalisée dans une perspective et un style bien différents de la grande majorité des grands ensembles de banlieue. Ici, pas de barres par exemple mais de petits immeubles colorés dispersés sur un grand espace où dominent les espaces verts. Le film se place du point de vue des autorités municipales. Il s’agit de faire que tous les habitants soient concernés, et il ne suffit pas pour cela de multiplier les réunions d’information. Il faut mettre en place des structures de réflexion et de prise de décision. Pas facile ! Nous suivons donc toutes ces actions, aux côtés des habitants. Des actions variées qui n’oublient pas les enfants à qui on fait visiter le chantier du nouveau pont en les associant à la recherche du nom qui lui sera donné.

         La troisième partie est la plus originale. La réalisatrice a en effet rencontré des personnes qui se logent en caravane dans un camping. Pas pour les vacances. Non. Toute l’année, hiver comme été. C’est leur choix. Un choix qui n’a pas toujours été facile à prendre. Un choix en grande partie dicté par les circonstances, en particulier financière. Mais un choix que personne ne regrette. Dans leur caravane ils se sentent bien, pas à l’étroit. Ils ont tout le confort qu’ils peuvent souhaiter. Et dans le camping, il y a une véritable vie collective. On se connait entre voisin, on se réunit pour l’apéritif ou un repas. Aucun ne voudrait revenir en arrière. Alors, un château ? Certainement pas !

         Un film de rencontres qui pourrait se résumer dans un adage : dis-moi où tu habites, je te dirai qui tu es.